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잔규네

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    이언 길런 Ian Gillan
  2. 2019.10.19
    존 앤더슨 Jon Anderson




하드락헤비메탈의 역사를 논할 때 설명이 필요없는

레전드들이 몇 분 계신다. 45년생 브리티쉬 스크리밍

보컬의 살아있는 전설, 이언 길런 Ian Gillan도 그 중

한 분이라는 데 의심의 여지가 없다. 신화 속의 대 밴드

딥 퍼플 Deep Purple의 제2기, 그 화려한 정점과 함께

하얗게 불타올랐던 위대한 이름을 만나자. 아, 길런...!










*Smoke on the Water. Made in Japan.

- 1972년 8월 17일 도쿄. 4'13"부터 후배들의 극찬 릴레이 인터뷰.



*Child in Time. Made in Japan.

- 1972년 8월 16일 오사카.







딥 퍼플을 모르고 락 음악이란 카테고리에 접근하는 사람이

과연 있을까 싶기는 하지만. 하드락헤비메탈이라는 특정

장르의 발전사에서 정말 빼놓을 수 없이 핵심이고 중추를

형성하는 밴드가 대충 한 셋 정도 된다. 속칭 트로이카라고

할 텐데 레드 제플린, 블랙 사바스, 그리고 딥 퍼플이다.



간단히 말해 이들 세 팀이 없었다면 하드락이나 헤비메탈이란

장르가 존재하지 않았을 것이고 이에 대한 반발로 태동한 모던

내지 얼터너티브 역시 전혀 다른 방향의 역사가 쓰여졌을

란 말. 69년의 Led Zeppelin II, 70년의 Paranoid, 여기에

72년의 Machine Head 등 세 장의 앨범이 나오고 나서야

비로소 평론가들이 헤비메탈이란 장르의 본질과 속성을

정의 내리는 일이 가능했다..는 것이 오늘날의 정설이다.



('Whole Lotta Love' by Led Zeppelin, 1969)

https://www.youtube.com/watch?v=V3u5rWzmhFI

- live from How the West Was Won, 2003



('Paranoid' by Black Sabbath, 1970)

https://www.youtube.com/watch?v=pTHeY0-P4MY

- live from The End Tour, 2016



('Highway Star' by Deep Purple, 1972)

https://www.youtube.com/watch?v=Y2qZJ3BHzjY

- live from Come Hell or High Water, 1993




10년 여의 공식 활동 기간에 멤버 교체 없이 활동을 지속한

레드 제플린, 프론트맨 보컬 교체할 때마다 작품의 방향이

탄력적으로 변모한 블랙 사바스와 비교하여, 딥 퍼플은 10년

좀 안 되는 전성기 시절에 총 4기로 구분될 만큼 멤버 교체

양상이 변화무쌍했고 또 각 기수마다 격변하듯이 음악의 색

전혀 달리 뽑히는 특징을 보여준 밴드이다.



68~76년의 딥 퍼플 전성기 활동 기간 중 음악적으로나

상업적으로 최정상이라고 누구나 인정하는 시기가 바로

제2기, Mk.II**의 멤버 구성이고 인기가 극에 달했던 이

2기 딥 퍼플을 이끈 리드 보컬리스트가 바로 이언 길런.

이분의 전성기 보컬 스타일링을 통해서 헤비메탈이라는

장르가 지향해야 할 음악성이 규정되었다고 해도 과언이

아닌 것이다. 그만큼 음악사에서 중요한 분인 셈..



**Mk.II = '마크 투'라고 읽는다. 코믹스의 아이언맨처럼..ㅎ

 - 멤버 교체 시기로 구분하는 밴드의 역사를 이렇게 mark/기수

형태로 표시하기 시작한 효시가 딥 퍼플이라고 한다.







딥 퍼플의 출발점은 다소 어수선한 모양새였다. 짝퉁 비틀즈계

머시비트 밴드인 서처스의 드러머 출신 크리스 커티스란 이가

자신을 프론트맨으로 기용하는 밴드를 조직하겠다고 투자할

돈줄을 끌어모으며 각 스튜디오 최고의 세션맨들을 여기저기

수소문하고 다녔는데...



이 레이다에 맨 처음 키보디스트 존 로드가 걸려들었고 베이스의

닉 심퍼, 기타의 리치 블랙모어가 낚였다. 근데 정작 커티스가 약에

쩔어살던 불량품인지라 투자자들이 즉시 해고했고 이왕 모인 일급

세션들에 로드 에반스라는 보컬과 약관 18세의 드러머 이언 페이스

결합해 아예 새로운 밴드를 만들어낸다. 블랙모어의 제안으로 이름이

정해졌으니 바로 딥 퍼플. 68년의 1기 멤버들인 게다.



*Deep Purple.. 원래는 1930년대 올드팝 히트곡의 제목이라고..

https://www.youtube.com/watch?v=Wll9RSCzoAI




1기 딥 퍼플커버 트랙 중심으로 히트 팝을 지향하는 사실상의

락앤롤 밴드였으니 1집의 Hush, 2집의 Kentucky Woman

팝 차트 히트 넘버들이 모두 리메이크였다. 오늘날 익히 알려진

딥 퍼플과는 몇 광년쯤 멀리 있는 음악 색이었던 셈. 그나마도

소속사의 막장 운영으로 3집이 돈도 못 벌고 쪽박 차게 생기니

결국 로드, 블랙모어, 페이스 셋이 주도하여 새로운 전략 하에

승부수를 띄워야겠다고 결심했다지.



하드락 밴드로의 변모가 그 주된 골자. 이미 마음이 떠난 상태이던

에반스를 떠나 보내고 심퍼를 교체하기로 한다. 이때 신생 밴드에서

노래하던 런던 출신 이언 길런과 베이스 치는 로저 글로버가 눈에

들어오고 블랙모어가 주동하여 새로운 라인업에 시동을 건다.



('Hush' from Shades of Deep Purple, 1968)

https://www.youtube.com/watch?v=_4QBhC1uCP4

- Joe South 곡의 커버



('Kentucky Woman' from The Book of Taliesyn, 1968)

https://www.youtube.com/watch?v=YcgeAtrVHvA

- Neil Diamond 곡의 커버




이 시기 음악은 대체로 41년생으로 가장 연장자이던 존 로드

주도하는 모양새로 클래시컬 락 내지 프로그레시브의 원형질을

탐구하는 시기였다. 3집April이나 사이드 프로젝트였던 The

Concerto for Group and Orchestra가 이런 성향을 대표한

작품들. 길런이나 동갑내기 블랙모어는 살짝 불만이었다고.



두 사람은 동시대에 더 후지미 헨드릭스, 크림레드 제플린

선수치고 있던 하드하고 헤비한 어프로치를 가미해야 한다고

생각하였다 하며, 바야흐로 2기의 완전체로 본격 진용을 갖춘

딥 퍼플이 슬슬 8기통 엔진에 시동을 걸며 강렬한 신세계를

막 열어 젖히려는 역사의 순간이었다.



 (Deep Purple III) (Deep Purple)



('April' from Deep Purple III, 1969)

https://www.youtube.com/watch?v=RaMmBH3pYxY

*사실상 프로그레시브 락에 가까운 형식이다.




 (The Concerto for Group and Orchestra)



('The Concerto for Group and Orchestra: First Movement

- Moderato-Allegro' by Deep Purple with Malcolm Arnold

and the Royal Philharmonic Orchestra, 1969)

https://www.youtube.com/watch?v=C6ay6BwgBS8

*실질적으로 Jon Lord의 솔로 프로젝트에 가까웠으나

공식적으론 라이브 앨범으로 분류한다.

 - 로드는 정통 클래식 음악 교육을 받은 분.



('Nights in White Satin' by Moody Blues, 1967)

https://www.youtube.com/watch?v=qbqxbGm9hBI

*Days of Future Passed 앨범.

 - 사실, 2년쯤 앞서던 이런 작품을 모방한 것..







하드락의 트렌드는 60년대 내내 꾸준하게 자가발전하고 있었다.

비틀즈롤링 스톤즈 등 1세대들이 원형을 제시하고 뒤를 이은

밴드들이 비르투오소 스타일 기교와 한층 헤비이펙트를 장착한

하드웨어의 구현에 힘입어, 서서히 그 작법을 체계화하고 있었다.



60년대 초반까지 락앤롤이던 팝 음악의 조류가 하드락이란 서브

장르로 분화하면서 3~5명 규모 밴드 포맷에서 중심 권한이 픽업

장착한 일렉트릭 기타리스트 쪽으로 넘어다. 여기에 보컬리스트,

베이시스트, 드러머, 리듬 기타리스트, 키보디스트 등의 각 멤버별

책임 영역이 독자적으로 발전하기 시작한다.



단순히 픽업을 통해서 나는 이른바 기타의 '생소리'는 카랑카랑하고

얇다란 편인데, 반전 히피 문화에 뿌리를 둔 사이키델릭애시드

요소에 영향을 받으면서, 픽업의 시그널을 인위적으로 조작해 변형한

각종 이펙트 - 이를테면 distortion, overdrive, phasing, feedback,

vibrato 등 - 를 덧입히게 되니 하드락을 규정하는 필수요소가 된다.



창작 방법론 면에선 기타 리프라는 개념이 돌출하였으니 해당 곡의

성격을 단번에 규정하는 상징적인 악절이나 동기를 가리킨다. 이

리프를 얼마나 창의적으로 작곡할 수 있는지가 기타리스트의 역량을

가늠하는 기준이 되어 버리고 리듬 기타, 베이스, 키보드 등 보조

파트가 리프의 패턴이나 코드를 백업하는 형태로 반주가 진화한다.



(WatchMojo.com '14, Top 10 Guitar Riffs of All Time)

https://www.youtube.com/watch?v=vt8Q8L_I1pw

- 단, 이분들 집계가 다 그렇듯이 순위는 염두에 두지 말자.

- 음악사상 꼭 기억해야 할 리프 몇 가지 알아놓는 의의 정도..




여기에 드러머가 킥 베이스와 스네어를 교차하며 강약의 패턴을

반복하는, 이른바 - 심장 박동과 유사하게 들리는 - 백 비트를 더욱

강조하는 쪽으로 리듬을 받쳐주고, 베이시스트가 이 리듬 섹션에

동참하는 동시에 기타 리프의 패턴을 복사하며, 때때로 리듬 기타

또는 키보드가 한꺼풀 더 가미되는 식으로 곡을 구성하는 것이다.



하드락보컬리스트에게 요구되는 테크닉은 기존 팝 장르의 달달한

목소리와 여러 모로 다를 뿐 아니라 훨씬 고난도의 숙성과 장기간의

훈련을 요구했으니 shout, scream, growl, wail, vibrate, rasp 같은

공격적인 것들이었다. 대체로 남성 테너 음역을 넘어서는 고음역을

필수요소로 하게 되었고 때때로 팔세토나 이와 유사한 high register

영역이 보편화하기 시작했다.



이렇게 각 파트별로 정착하고 발전해간 하드락 장르의 방법론이 더욱

공격적으로 진화한 형태를 헤비메탈이라고 설명할 수 있겠고 60년대

말에 태동한 트로이카 밴드가 이를 주도한 장본인들이다. 딥 퍼플

그 한 축이자 태풍의 눈이었던 아티스트들. 구체적으로 하드락 진화

역사에 더 큰 관심이 생긴다면 아래의 음악을 좇아가길 권한다.



"Kinks", 1964

('You Really Got Me' by The Kinks)

https://www.youtube.com/watch?v=fTTsY-oz6Go

- studio album version


"My Generation", 1965

('My Generation' by The Who)

https://www.youtube.com/watch?v=qN5zw04WxCc

- studio album version


Single "Hey Joe / Stone Free", 1966

('Hey Joe' by The Jimi Hendrix Experience)

https://www.youtube.com/watch?v=rXwMrBb2x1Q

- studio single version


"Disraeli Gears", 1967

('Sunshine of Your Love' by Cream)

https://www.youtube.com/watch?v=f3y8jf01UY8

- studio album version


"Led Zeppelin", 1969

('Babe I'm Gonna Leave You' by Led Zeppelin)

https://www.youtube.com/watch?v=UyOg0mt2R2k

- studio album version


"Fire and Water", 1970

('All Right Now' by Free)

https://www.youtube.com/watch?v=5wiF6b4rxno

- studio single version, Paul Rodgers on vocals.







레이블의 삽질로 전작에서 거의 수익을 얻지 못한 딥 퍼플

2기 진용. 여러 프로젝트를 전전하고 돈벌기 위한 투어를

병행하며 틈틈이 새 앨범 녹음을 진행한다. 클래식 음악에

바탕을 둔 고상한 로드식 어프로치로 절대 답이 없다고 여긴

블랙모어의 반강제적 결단으로 제플린을 좇아가는 헤비

작법에 집중했고 길런글로버도 이에 적극 동의했다.



 (Deep Purple in Rock) (In Rock)




70년에 발매한 정규 4집 Deep Purple in Rock은 이렇게

전투적인 자세로 얻은 인고의 산물이자 참신한 상상력의

빛나는 결정체였다. 뒤에 나올 후속 앨범으로 해당 장르

정점을 찍기 이전에는 헤비 사운드의 나아갈 길을 제시한

걸작이라고 평단의 찬사를 얻었던 작품이다.






당시 반응도 폭발적이었지만 시간이 흐르면서 평단과 언론이

더 깊이 평가하는 앨범인 듯하다. 영국의 하드락헤비메탈

전문 매거진 케랑!이 89년에 시대를 초월하는 100대 헤비메탈

명반을 집계하며 15위에, 05년에 최고의 100대 브리티쉬락

명반을 집계하며 56위에 올려놓은 바 있다.



(Kerrang! '89, 100 Greatest Heavy Metal Albums of All Time)

- 텍스트 아카이브: http://www.rocklistmusic.co.uk/kerrang_p2.htm

- 그래픽 아카이브:

  https://www.listchallenges.com/kerrang-the-100-greatest-heavy-metal-albums-of



(Kerrang! '05, 100 Best British Rock Albums Ever)

- 영국 아카이브:

  http://www.rocklistmusic.co.uk/kerrang_p2.htm#British%20Rock%20Albums

- 네덜란드 아카이브: http://www.muzieklijstjes.nl/Kerrang100British.htm




영국 Q 매거진도 98년에 최고의 50대 70년대 명반을 집계하며

48위로 평가했고, 클래식  매거진의 06년 100대 브리티쉬

명반 집계에선 13위를 차지했다. 이외에 05년 출간된 죽기 전에 꼭

들어야 할 앨범 1001에도 물론 수록되는 등, 찬사가 줄을 이었다.



(Q Magazine '98, 50 Best Albums of The '70's)

http://www.rocklistmusic.co.uk/qlistspage2.html#70’s



(Classic Rock '06, 100 Greatest British Rock Albums Ever)

http://www.muzieklijstjes.nl/Classicrock100GreatestBritish.htm



(Robert Dimery '05, 1001 Albums You Must Hear Before You Die)

http://www.rocklistmusic.co.uk/steveparker/1001albums.htm




시작부터 강렬해 완전히 달라진 그들의 모습을 여실히 드러낸

오프닝 트랙 Speed King. 이언 길런이라는 위대한 목소리가

폭발의 갈증에 목말라 하던 세상 만물에 완연히 현신하던 바로

 순간. 왜 보컬리스트를 바꿨는지, 블랙모어는 왜 그토록

헤비에 목숨 걸었는지, 세상 모든 사람이 본능적으로 수긍할

밖에 도리 없는 모멘텀이 도래한 것이다. 솔로잉 끝부분에 나온

길런의 초고음 스크리밍에서 가공할 전율을 느낄 터이다.



('Speed King' from In Rock, 1970)

*original studio album version

 - 잼 같은 인트로 50초를 지나 Hammond 전주 등장.

 - 3'27" 지나 더블 트랙 녹음한 guitar soloing.

 - 4'07" 무렵부터 vocal screaming.




2위까지 올라 딥 퍼플의 역대 영국 싱글 차트 최고 기록을 달성한

Black Night는 앨범과 거의 동시에 발매한 리드 싱글이다. 본래

앨범에는 수록되지 않았으나 팬덤이 기억하는 전성기 딥 퍼플

거의 초창기 히트곡이다. 글로버에 따르면 거쉬인 커버곡의 반주

베이스라인에서 힌트를 얻은 튠이라고.



('Black Night' from a single Black Night / Speed King, 1970)

- 다음 링크를 들어가면 어디서 모티브를 땄는지 알 수 있다.

 https://www.youtube.com/watch?v=DtsMj0JD8N8




Child in Time. In Rock의 야수적 음악성을 대표하는 시그니처

트랙은 사실 이 곡 아니겠는가. 보컬 재현 자체가 너무 어려워서

길런 자신이 이미 수십 년 전에 라이브를 그만 둔 곡이기도 하다.

사회적 가사가 많지 않은 딥 퍼플 음악사에서 반전과 베트남전을

소재로 다룬 흔치 않은 트랙이다. 소이탄 피해로 전신 화상을 입은

소녀를 촬영한 종군 보도 사진과 연계해 상상해보클라이맥스

스크리밍이 무엇을 표현한 건지 나름 감이 올 것이다.



*Nick Ut, The Terror of War (1972)

 - Pulitzer Prize Winner in 1973



('Child in Time' from In Rock, 1970)

*영국 TV쇼의 라이브 버젼. 전성기 전설적 실황.

 - Blackmore가 Gibson ES-335로 녹음한 마지막 트랙.



*studio album version

https://www.youtube.com/watch?v=UEjAaLu8Dhs




의외로 자유로운 그루브에 의존하지 않고 클래식처럼 정교하게

파트를 구분하던 블랙모어로드의 성향을 읽을 수 있다. 해먼드

오르간레슬리 스피커, 마샬 앰프존 로드 전매 특허 사운드의

상징이 된다. 블랙모어는 이 무렵부터 깁슨 버리고 스트랫으로

완전히 갈아탄다.



 (Lord)



 (Blackmore)




영국 앨범 차트에서 4위에 올랐고 독일, 호주, 오스트리아에선

을 찍었으며 발매 당시에 영국, 미국, 독일, 프랑스, 이탈리아

등지에서 골드를 기록했다. 최종적으로 현재까지 전세계 판매고

4백만 장을 넘어 명실상부한 성공작이다. 딥 퍼플은 이제야

확고부동한 스타덤에 오른 것이다.



('Into the Fire' from In Rock, 1970)

https://www.youtube.com/watch?v=gMbY45kFs7w



('Hard Lovin' Man' from In Rock, 1970)

https://www.youtube.com/watch?v=ziISNxMCC3M




(Glover, Blackmore, Gillan, Lord, Paice)




71년 공식 5집이자 2기 라인업의 두번째 앨범 Fireball

길런을 제외하고 블랙모어로드 등 나머지 멤버들에게는

다소 아쉬운 작품이고 흥행 성적도 전작에 미치지는 못했다.

이리저리 투어 끌고 다니는 소속사 장단 맞추느라 스튜디오

작업에 할애할 여유가 없었다고.



 (Fireball)




그래도 영국 앨범 차트 최초의 1위 기록을 포함해 독일,

스웨덴, 벨기에 등 8개국 차트 정상을 석권했고 프랑스,

호주 등 5개국 탑텐에 들어 미국 시장을 제외하고 세계적

지지를 얻은 성공작임은 분명했다. 세계 판매고는 3백만

장이 넘었고 미국에서 골드까지 기록했다.



('Strange Kind of Woman' from Fireball, 1971)

https://www.youtube.com/watch?v=awGv_Go-smI

*studio album version

 - 가사의 내용은 영 좋지 않다. 매춘부 연심을 품은 소년의 성장기.

 - boogie-woogie란 본래 20년대부터 인기를 끈 블루스의 서브장르.




Strange Kind of Woman은 전작의 Black Night처럼

앨범에 수록되지 않고 리드 싱글로 미리 발매된 케이스.

(미국, 캐나다, 일본에선 앨범에 수록되었다.) 영국 싱글

차트 탑텐에 올라 앨범에 대한 기대를 끌어올리는 역할을

잘 수행한 곡이고 블루스의 서브장르인 부기우기 모드를

맛깔나게 표현했다. 라이브에서 길런블랙모어가 주고

받는 애드립으로도 유명한 트랙이다.



*Strange Kind of Woman.

 - 73년 뉴욕 라이브 버젼.

 - 주고 받는 애드립은 3'40" 지나서 나온다.




타이틀 트랙 Fireball은 특이하게 에어컨 가동음으로 시작하여

로드가 극찬한 페이스투베이스 킥킹 패턴이 비트를 지배한다.

(아직 더블 페달이 나오기 전 시절이다.) 이들 음악 중 특이하게

기타 솔로 없이 베이스 및 키보드 솔로가 연이어 등장한다.



('Fireball' from eponymous album, 1971)

*studio album version audio + 'hand-sync' promo video clip

 - 꽤 화제를 모았던 프로모션 영상인데 죄다 립싱크+핸드싱크...

 - 제작 당시를 설명하는 Lord의 인터뷰가 덤으로 앞뒤에.. 돌아가시기 전.

 - 세밀하게 보면 손과 음이 따로 논다는 걸 알 수 있고, 심지어 4분 55초쯤

Blackmore기타를 뒤집어 드는 만행을...ㅋ




라이브에서 페이스드럼 솔로와 이어지는 걸로 유명한 트랙

The Mule은 아이작 아시모프의 파운데이션 시리즈에서 영감을

받은 가사임이 정설이지만 악마 루시퍼에 관한 이야기로 해석할

수도 있다고, 길런 본인이 코멘트한 바 있다. - 별 중요친 않다.



('The Mule' from Fireball, 1971)




Strange Kind of Woman이 영국 싱글 차트 탑텐까지 올라

기록을 이어나갔으나, 일부러 끈적한 그루브를 제거한 프로듀싱

스타일이 안 먹히는 탓인지 미국 시장 반응은 아직 그저 그러한

편이었다. 미국 빼고 유럽 반응은 물론 폭발적이었고. 일본도..

- 전 세계 판매고 1억 장이 넘는 딥 퍼플의 소비 시장 분포는

묘하게도 과 비슷한 편이다.



('Demon's Eye' from Fireball, 1971)

*71년 서독 TV쇼 라이브

 - 인트로에 등장한 Lord의 악기는 RMI 368X Electra-Piano.







일정이 촉박했던 전작에 비해 이번엔 한 달 정도 마음의 여유가

생겼다. 길런이 투어 중 간염에 걸리고 하는 소동으로 스케줄이

약간 꼬였었거든. 그동안 심기일전하여 자신만의 시간을 가지며

블랙모어는 다양한 창작의 모티브를 구상하게 된다. 가끔 다급한

중에 나오기도 하지만 무릇 명반이란 여유 속에 탄생해야 하는 법.





 (Montreux, Switzerland)




요양할 필요도 있겠다, 기분 전환도 필요하겠다, 겸사겸사 밴드

전체가 스위스 몽트뢰로 출장을 떠났다. 재즈 페스티벌이 열리는

유명한 고장. 이제 신보 녹음해야지. 카지노에 자리를 잡고 롤링

스톤즈의 이동식 녹음 스튜디오에 시동을 걸 준비를 했다. 프랭크

자파마더즈 오브 인벤션 공연이 끝나길 기다려 들어가려 했다.



          




어느 얼빵한 관객놈이 천정에 조명탄을 쏴버려 카지노 건물에 그만

불이 나버렸네. 난리가 났지만 제네바 호수 표면에 비친 화재 풍광은

또 한편의 장관이기도. 할 수 없이 옆에 임시 막사로 옮겨 녹음 좀

하려는데 소음이 너무 시끄럽다고 주민 신고가 들어온다네. 맙소사,

어찌어찌 하여 폐건물 호텔을 빌려 겨우 녹음을 진행했다.



- Smoke on the Water, Fire in the Sky.. Montreux.. 1971.

- 호텔 창밖으로 대략 이런 풍경을 감상하며 악상을 떠올리셨다고.



*Smoke on the Water. lyrics.

https://genius.com/Deep-purple-smoke-on-the-water-lyrics




새옹지마라 했던가. 일이 잘 되려면 사고 좀 나줘야 하고 예로부터

녹음할 때 귀신 나오면 그 노래 대박친다 했다. 락 역사상 공전절후의

명곡 Smoke on the Water는 대략 이런 뒷이야기를 가사로 구성한

밴드 모험담의 풍자적 송가였던 것이다. 기타 샵에서 제발 이 곡 좀

그만 쳐라, 영원불멸의 1위에 빛나는 바로 그 노래... 수록된 절대

명반, 72년 6집 Machine Head. 캬~~



 (Machine Head)






(Classic Rock '06, 100 Greatest British Rock Albums Ever)

http://www.muzieklijstjes.nl/Classicrock100GreatestBritish.htm




전술했지만 본작으로 비로소 헤비메탈이란 장르가 독립하여

폭발적으로 시장 형성을 시작한다. 클래식 락 매거진의 06년

100대 브리티쉬락 명반 집계에서 26위를 차지하고, Q 매거진

01년 시대를 초월한 50대 헤비 명반 및 04년 30대 클래식

명반 집계에 선정된 이유가 바로 이것.



(Q Magazine '01, 50 Heaviest Albums of All Time)



(Q Magazine '04, 30 Greatest Classic Rock Albums Ever)

http://www.rocklistmusic.co.uk/q_mojo_se.htm#Classic%20Rock




그뿐인가. 케랑! 매거진은 89년에 시대를 초월하는 100대 헤비메탈

명반을 집계하며 35위에, 05년에 최고의 100대 브리티쉬락 명반

집계하며 34위에, 본작을 선정했다. 영국의 유력 일간지 가디언

07년에 죽기 전에 꼭 들어야 할 1000장의 앨범 중 하나로 뽑기도.




(Kerrang! '89, 100 Greatest Heavy Metal Albums of All Time)

http://www.rocklistmusic.co.uk/kerrang_p2.htm



(Kerrang! '05, 100 Best British Rock Albums Ever)

http://www.muzieklijstjes.nl/Kerrang100British.htm



(The Guardian '07, 1000 Albums to Hear Before You Die)

http://www.rocklistmusic.co.uk/guardian100.htm#1000%20Albums




완전 4 음정인 파워 코드의 대명사로 왕년에 기타 만져봤다는

초짜들은 다 한번씩 쳐보는 리프... (점원의 정신 건강을 위해 제발

낙원동 가서 그만 좀 치라고들..Smoke on the Water리프

하나 만으로도 음악사에 길이 남을 게다. Q 매거진이 05년에

100대 기타 트랙 명곡 랭킹에서 12위에 올린 바 있다.



- the legendary riff that you would already know by heart..



('Smoke on the Water' from Machine Head, 1972)

https://www.youtube.com/watch?v=OSXkTm1iRQQ

*original studio album version



(Q Magazine '05, 100 Greatest Guitar Tracks Ever)

http://www.rocklistmusic.co.uk/qlistspage3.htm#Guitar%20Tracks




원래는 계획에 없었는데 이 곡이 세계적으로 왕대박을 쳐버리

이듬해 개별 싱글로 발매하여 핫100 차트 4위까지 치고 올랐다.

롤링 스톤 매거진이 04년에 선정한 시대를 초월한 500대 명곡

랭킹에선 당당 434위를 차지했고. 기록도 풍년이로세.. 얼쑤~



 (Smoke on the Water, single)



(Rolling Stone Magazine '04, 500 Greatest Songs of All Time)

https://www.rollingstone.com/music/music-lists/500-greatest-songs-of-all-time-151127/deep-purple-smoke-on-the-water-165096/




이와 함께 본작을 대변하는 시그니처 트랙으로 Highway Star

역시 빼놓을 수가 없다. 로드+블랙모어듀얼 솔로잉 전성기

극강의 연주력을 상징하고 일찍이 요한 세바스찬 바하가 제시한

후기 바로크 화성악 스타일의 프레이징으로 유명한, 70년대식

밴드 연주력 측정기인 바로 그 명곡...!



('Highway Star' from Machine Head, 1972)

*original studio album version

 - 오리지널은 박자가 느린 편이고 라이브에선 BPM을 높인다.



**네오클래시컬 메탈

 - 일본과 한국 바보들이 한때 바로크 메탈 어쩌구로 불렀었으나 영어권

표현으로 neoclassical metal 정확한 용어이다. 신고전파..

 - 제팽글리쉬로 보이는 바로크 메탈이란, 존재하지 않는 말. 쓰지 마라.

뭐 이런 것까지 일본 바보들을 따라 해야 하남.

 - 어쨌든 멀리 JS바하를 시조로 받드는 해당 서브장르가 이 곡을 효시로

한다는 점은 사실이다. 파생 상품 업자 중 가장 유명한 사람이 스웨덴의

Yngwie Malmsteen다.




오버드라이브 잔뜩 걸어준 로드해먼드 인트로블랙모어

넘어가는 Lazy는 7분여의 대곡이었는데 80년대엔 줄여서 짧은

버젼으로 라이브를 소화하곤 했다. 블루스 필이 강하고 길런

하모니카 연주를 선보인다.



('Lazy' from Machine Head, 1972)




사이키델릭 냄새가 강한 Space Truckin'은 우주 여행 모험담을

풀어낸 노래. 로드ARP 신디 초기형을 도입해 링 모듈레이션

합성 방식의 프레이징을 인트로에서 선보였다.



('Space Truckin'' from Machine Head, 1972)




싱글로도 발매해 영국 차트 탑40의 준수한 성적을 거둔 Never

Before는 라이브 셋리스트에 희한하게 잘 올라오지 않는지라

오히려 팬덤이 희귀 넘버로 찾아다니는 트랙. 2기 이전 초창기

딥 퍼플 냄새가 살짝 나기도 한다.



('Never Before' from Machine Head, 1972)




현재까지 이 앨범의 세계 판매고는 7백만 장을 넘어섰고 발매

당시 빌보드 200 차트 7위에 올랐으며 현재는 미국에서 더블

플래티넘을 기록했다. 영불독 및 캐나다, 호주 등 9개국 앨범

차트 을 찍었고 이탈리아, 일본 포함 다섯 나라 탑텐에 든다.

딥 퍼플 타이틀 하의 커리어를 통틀어 이때가 최절정기였다.



('When a Blind Man Cries' from Machine Head, 1972)

https://www.youtube.com/watch?v=ZLJ8XO7pBu4

- Soldier of Fortune 분위기를 미리 뽑아낸 숨겨진 발라드.

- 원래는 Never Before 싱글의 B면 트랙이었다.




(Blackmore, Gillan, Glover, Lord, Paice)




숱한 라이브에서 각기 다른 버젼의 애드립 프레이징을 창조하며

매번 색깔이 전혀 다른 무대를 만들어온 제2기 딥 퍼플이었지만

의외로 라이브 앨범에는 인색한 편이었다. 스스로가 만든 무대

사운드를 완벽하게 재현하는 것이 불가능하다고 믿었기 때문.



('Sympathy for the Devil' by Rolling Stones, 1968)

https://www.youtube.com/watch?v=qmppOF0_DHE

*live version from Get Yer Ya-Ya's Out!, 1970




하지만 음향 기술도 진보하고 있었다. 70년에 발매된 더 후

롤링 스톤즈의 라이브 명반 같은 경우 특히 이들이 가진 부정적

편견을 불식시키기에 충분한 작업물이었다. 72년 8월에 일본

투어로 세 차례 공연이 잡혔는데 이때 연주 버젼을 녹음하여

결국 그들의 실질적인 첫번째 라이브 앨범을 출시한다.



('My Generation' by The Who, 1965)

https://www.youtube.com/watch?v=PoHCjHtHrVo

*live version from Live at Leeds, 1970




72년 Made in Japan. 롤링 스톤 매거진의 12년 독자 투표

시대를 초월한 10대 라이브 명반 중 6위에 오른, Mk.II 전성기

최고의 기록을 담고 있다는 그 전설의 작품이다. 얼마나 대단한지,

딥 퍼플 디스코그래피에서 개별 판매고가 가장 높은 앨범이 다른

정규 음반 다 제치고 바로 이 작품일 정도. 8백만 장이 넘었단다.



 (Made in Japan)



(Rolling Stone Magazine '12, Readers' Poll:

The 10 Best Live Albums of All Time)

https://www.rollingstone.com/music/music-lists/readers-poll-the-10-best-live-albums-of-all-time-18920/6-deep-purple-made-in-japan-132257/




본작은 레드 제플린The Song Remains the Same과 여러

면에서 비교될 수밖에 없었는데 동종 장르에서 라이벌 구도이기

때문에 그런 점도 있지만 라이브를 대하는 근본 자세에서 두 팀이

전혀 다른 접근법을 취하기 때문이다. 라이브 준비는 개인 연습이

알아서 하는 것이고 실제 무대에선 즉흥적인 합으로 맞추는 것이

진짜 음악이라고 생각한 제플린에 비해, 딥 퍼플은 라이브의 합도

서로 칼같이 약속하고 연습한 플레이만 해야 한다고 믿었던 것.



*Smoke on the Water. Made in Japan.

- 1972년 8월 15일 오사카. (유신 직전 광복절이군..)




Made in Japan은 그런 음악적 신조를 배경으로, 실력 면에서

최정점을 찍고 있던 2기 멤버들이 어쩌면 스튜디오 레코딩보다도

훨씬 더 정교할지 모를 연주 합을 들려주었기 때문에, 세월이 흐른

지금까지도 모든 음악팬이 인정하는 최고의 라이브 앨범으로 거듭

재평가를 받고 있는 것이다. - 제플린 라이브에 대한 평가는 사실

그닥 좋지 못하다. 완성도 면에서 다소 성의 없다고... 퍼플 완승.



*Highway Star. Made in Japan.

- 1972년 8월 16일 오사카.

**Highway Star는 이후 라이브에서 하도 변칙 해석이 난무하여

원곡 버젼 연주를 듣기가 오히려 더 힘든 곡인데, 오리지널 버젼

연주를 스튜디오처럼 충실히 재연한 거의 유일한 아카이브이다.



*Strange Kind of Woman. Made in Japan.

- 1972년 8월 16일 오사카.




(Blackmore, Lord, Glover, Paice, Gillan)




한창 잘 나가던 딥 퍼플. 안타깝지만 균열의 조짐이 슬슬 나타났고

근본적 원흉은 돈벌이에 급급했던 소속사 매니지먼트였다. 휴가도

없이 투어와 레코딩으로 몇 년을 달리다 보니 다른 파트보다 몸이

악기인 보컬리스트에게 가장 큰 여파가 왔다. 길런의 육체 피로와

스트레스가 극에 달했고 오늘날까지 문제가 되는 블랙모어와의

신경전도 이때 서로 싸우다 보니 싹이 트게 된 것이다.



 (Who Do We Think We Are)




2기 황금 라인업의 마지막 작품 73년 7집 Who Do We Think

We Are는 그런 스트레스 전쟁의 산물. 이거 녹음할 때쯤 이미

길런은 탈퇴로 마음의 가닥을 잡은 상황이었다. 73년 6월 일본

투어가 끝나자마자 탈퇴서를 남기고 길런이 아예 음악계 은퇴를

선언했으며, 글로버는 직후에 해고 당했다. (제발로 걸어 나갔단

설도 있긴 하다.)



*'13 interview with Ian Gillan and Deep Purple.

https://www.rhino.com/article/stay-tuned-by-stan-cornyn-loudest-purple

 - 2기 전성기가 오래 가진 못할 거라며 뿌리까지 뽑아 먹으려던 그들.

 - 길런, 내가 매니저라 "암것두 하지 말고 한 석 달 쉬어"라 했을 걸?




Woman from Tokyo는 본작이 남긴 거의 유일한 히트곡. 앨범

판매도 준수했고 차트 성적도 괜찮았지만 마치 혼이 나가듯이 곡

하나하나에 기백이 없어 멤버들이나 팬덤 모두 본작의 수록곡을

그닥 좋아하진 않는 듯하다. 황금의 Mk.II 라인업은 이렇게 역사

속 뒤안길로 사라진다.



('Woman from Tokyo' from Who Do We Think We Are, 1973)




('Rat Bat Blue' from Who Do We Think We Are, 1973)

https://www.youtube.com/watch?v=6mQTDlQQ5RE

- 그나마 본작에서 이 곡 정도 건질 만하다는 평을 듣곤 했다.







몸도 마음도 지쳤거니와 길런은 한동안 음악계를 떠나 지냈다.

호텔이나 모터사이클 등 몇 군데 사업 투자를 해보았지만 뜻대로

잘 되진 못했다. 다시 음악을 시작했는데 난데없이 재즈락으로

장르를 바꿔 이언 길런 밴드를 조직한다. 3장의 앨범을 냈지만

사실 별다른 소득은 없었다. punk시대에 재즈를 들고 나왔으니.



('Child in Time' by Ian Gillan Band, 1976)

https://www.youtube.com/watch?v=pwkJo9_c3fM

*재즈 퓨전 스타일로 리메이크한 Gillan 자신만의 버젼.

 - 부르기가 점점 힘들어지는 것도 있고 상당히 끈적하게 바꿔 놓았다.




딥 퍼플은 보컬에 데이빗 커버데일, 베이스 및 보컬에 글렌 휴즈

받아들여 제3기 라인업을 가동하고 있었다. 블루스funk, 소울

더 가깝게 다가간 3기 라인업, 사실 꽤 괜찮았다. 동명의 앨범에서

걸작 트랙 Burn이나 또 다른 타이틀 트랙 Stormbringer 등, 수작

정도로는 평가할 만큼, 곡도 충실하게 잘 뽑혀 나왔었다.



('Burn' from eponymous album, 1974)



('Stormbringer' from eponymous album, 1974)




블랙모어 입장에선 새 멤버들로 채워진 funk 및 소울 분위기가 영

별로였다. 탈퇴하고 나와 로니 제임스 디오레인보우를 결성한다.

또 다른 당대 최강의 보컬리스트가 가세한 블랙모어 사운드는 한층

고강하고 고결해져 Man on the Silver Mountain Stargazer

같은 수작 트랙이 양산된다. 판매고가 살짝 아쉬운 수준이긴 했다.



('Man on the Silver Mountain' from

Ritchie Blackmore's Rainbow, 1975)



('Stargazer' from Rising, 1976)




블랙모어가 없는 딥 퍼플은 - 나중에야 다들 깨닫지만 - 등뼈

큰 조각이 빠진 듯한 모양새였다. 토미 볼린을 영입하여 신작

앨범을 내지만 결국 전성기 마지막 작품이 되고 만다. 볼린

휴즈마약에 빠져 밴드 분위기를 해치는 것이 큰 원인이었다.

76년 투어를 끝내고 딥 퍼플은 공식 해체를 발표한다. (볼린

과대평가하는 일부 평자도 있지만 개인적으로 그런 생각에는

동의할 수 없다. 결국 팀을 깨뜨린 불성실 약쟁이일 뿐이다.)




(Paice, Hughes, Coverdale, Blackmore, Lord)




블랙모어는 그럭저럭 디오와 잘 하고 있었는데 예술적으로 워낙

변덕이 죽끓듯하는 사람이라 음악의 방향성을 놓고 디오와 의견

대립이 생기니 결국 멤버를 싹 다 갈아치운다. 1978년. 길런

그 대체자로 영입할까 고려한 적도 한때 있었지만, 솔로 활동에

미련이 컸던지라 길런이 거절했다고. 아까비~ - 아이러니이지만

레인보우는 이후 교체 멤버로 큰 상업적 성공을 거둔다.



 (Dio, Blackmore)




길런도 생각 잘 한 거였다. 다시 전공인 헤비메탈로 복귀하여

길런이란 밴드 타이틀로 앨범 작업을 시작하는데 영국 골드

실버 수준의 성공을 거둔 것. 일본에서 반응도 좋았다 한다.

78~82년에 6장의 앨범을 내고 그럭저럭 짭짤한 커리어를

이어나가고 있었다. 단, 82년에 성대 결절로 갑자기 활동을

접어야 했던 흑역사도 겪는다.






('Mr. Universe' by Gillan, 1979)

https://www.youtube.com/watch?v=3KvCAmPXwD4



('Future Shock' by Gillan, 1981)

https://www.youtube.com/watch?v=C2mvWIByJ2A




1980년에  소동이 하나 있었는데 돈벌이에 환장하던 어느

기획사가 1기 보컬 로드 에반스를 꼬드겨 대충 세션을 붙이고

딥 퍼플 재결성이란 제호에 공연을 추진한 것. 당연히 2~3기

멤버들 중심으로 소송전에 들어갔고 에반스는 거의 70만 불에

달하는 거액의 배상금을 지불했다고. 피해를 볼 팬들을 위해

진짜 멤버들이 '우리 안 나옴' 하고 신문에 광고까지 냈단다.



          

- Bogus Deep Purple & Real Ad..




3기 보컬이자 또 한 명의 레전드 커버데일딥 퍼플 해체 후

78년에 화이트스네이크를 결성해 80년 무렵부터 서서히 히트

동력을 높이고 있었다. 일찍이 로드페이스도 멤버로 참여해

힘을 모았으니 포스트 퍼플 프로젝트로 중요한 밴드였던 차...

(정작 이들의 전성기는 84년에 로드+페이스 나가고 난 직후

찾아오고 있었으니..ㅎ)



(Murray, Lord, Marsden, Moody, Paice, Coverdale)



('Here I Go Again' from Saints & Sinners, 1982)

*87년에 대박 친 버젼의 82년 오리지널 트랙이다.




앞서 78년에 레인보우를 떠난 디오블랙 사바스에 합류해

검은 안식일 제2의 전성기를 빚어내고 있었다. 토니 아이오미,

기저 버틀러의 프레이징에 동기화시키는데 최적화되어 있던

오지 오스본에 비해 디오는 다른 멤버의 백킹을 가로질러 뚫고

나오는 스타일이라 전혀 다른 헤비의 미학을 창조하고 있었다.

- 이 시기 명곡 Heaven and Hell디오, 아이오미, 버틀러,

그리고 빌 워드에 의해 멋드러진 향취로 주조되었다.



('Heaven and Hell' from eponymous album, 1980)




이렇게 괜찮았는데 다음 앨범 준비하면서 디오아이오미

사이가 틀어지고 만다. 디오사바스와 솔로 프로젝트를 동시

진행하면서 스튜디오를 복잡하게 만들었다는 것. 디오가 떠나

버리고 후임으로 솔로 활동을 접고 있던 길런이 선임된다. 와..



*이때 길런을 사바스로 끌어들인 매니저가 돈 아든이라고, 이

무렵 오지 오스본 장인이 된 분이다.. 즉 샤론 오스본의 부친..

이 가족 이야기는 복잡하니 훗날 기회 있을 때...




(Butler, Gillan, Ward, Iommi)




 (Born Again)




또 하나 역사에 남을 슈퍼그룹이 될 수도 있었던 이 프로젝트.

83년 블랙 사바스 공식 11집 Born Again 앨범으로 결실을

맺는다. 블루지하고 자유분방한 길런의 스타일이 사바스

아이오미 식 패턴과 맞지 않는다고 평단이 깠고 - 멤버들도

그렇게 느꼈지만 - 팬덤의 반응은 좋았다. 영국 앨범 차트

4위까지 가는 성공을 거둔다.



('Trashed' from Born Again, 1983)



('Hot Line' from Born Again, 1983)




여기까진 그래도 들어줄 만한데 아래 트랙들 들어보면 음울하고

짐짓 답답스런 사바스 정서가 낭만이나 자유로운 미학을 추구하던

길런 스타일과 확실히 어울리진 않음을 알 수 있다.



('Zero the Hero' from Born Again, 1983)

https://www.youtube.com/watch?v=7i3URNHQuFo



('Keep It Warm' from Born Again, 1983)

https://www.youtube.com/watch?v=MrGja48pfAY




여담이지만, 투어 돌면서 블랙 사바스 예전 트랙들 가사 외우는

데에도 된통 애를 먹었다고. 뭐든 다 잘 할 것처럼 보이는 전설의

보컬리스트 최대 약점은 가사 암기였다...ㅎ 딥 퍼플 때도 이와

관련한 에피소드가 줄줄이 나올 정도.. 이제는 너무 유명해져서

중간에 까먹으셔도 팬들이 그러려니 하고 웃으며 넘어간다고.ㅋ



*Highway Star. 독일 TV쇼 '72. 전설의 가사 까먹기.




그런데 암기와는 별개로, 희한하게 작사는 즉흥적인 느낌을 좇아

또 기가 막히게 하시는 스타일... 사바스에서 작사 담당이던 베이스

버틀러와 스타일이 너무 달라서 아이오미가 짐짓 놀라셨다 한다.

사람의 두뇌에서 창작과 암기는 확실히 다른 영역의 기능인가 보다.





*15년 회고 기사, '사바스가 퍼플로 다시 태어났을 때'

https://metalinvader.net/the-old-enough-the-unnoticed-and-the-devils-soundtrack-when-sabbath-were-born-again-purple/







헤비메탈 팬덤에게 83-84 시즌의 사바스/길런 조합이 크나큰

선물이었다면, 84-85 시즌에는 경천동지할 더 뜻깊은 이벤트가

기다리고 있었다. 특히 MTV시대 헤어 메탈에 열광하던 미국의

새로운 하이틴 팬들에게 더욱 그러했으니, 전설적인 2기 라인업

딥 퍼플의 재결성이었다. 두두둥.




(Glover, Blackmore, Lord, Gillan, Paice)




예전처럼 닥달하던 사람들 말고 새로운 매니저 및 폴리그램과

재결성+신보 계약을 맺었다. 사바스고 자시고 간에 길런이 이

프로젝트로 득달같이 달려갈 것은 자명한 이치였다. 2기 퍼플

길런의 화려한 젊은 시절이자 마음의 고향이니까. 84년 공식

11집을 발매하는 그들. Perfect Strangers였다.



*각자 어디서 뭐 하다 달려들 오셨나...

 - Ian Gillan : 별로 안 어울리던 Black Sabbath 3기 보컬 접고..

 - Ritchie Blackmore : 판매 부진하던 Rainbow 막 해산시키고..

 - Jon Lord : 잘 나가던 Whitesnake 때려치우고.. - 2기에 대한 애정.

 - Roger Glover : Blackmore랑 Rainbow 하다 접고..

 - Ian Paice : Gary Moore 밴드 접고.. - 거기보단 퍼플이 낫지.




 (Perfect Strangers)




솔직히 앨범 자체는 크게 기대할 것이 못 된다. Knocking at

Your Back Door타이틀 트랙 Perfect Strangers, 두

곡이 라이브의 고정 레퍼토리로 정착하긴 하나 그 이외 트랙

정직하게 영 아니올시다 평가도 받았다. 그냥 전설들이 다시

뭉쳤구나 그 이상 그 이하도 아닌 의의를 둘 수 있을 뿐.



('Knocking at Your Back Door' from Perfect Strangers, 1984)




그런데 Reunion Tour는 사정이 달랐다. 시쳇말로 84~85년

당시 세계 공연계를 발칵 뒤집어놓은 대사건 중 하나였다. 이에

필적할 만한 사건은 브루스 스프링스틴 대박 친 것 하나 말고

꼽을 수가 없을 정도.. (Born in the U.S.A.시절)



('Perfect Strangers' from eponymous album, 1984)




호주에서 투어를 개시해 북미와 유럽을 거쳐 남미로 돌아오는

여정이었는데 특히 유럽 레그의 정점을 Knebworth Festival

찍어 버렸고 문자 그대로 현지 언론을 발칵 뒤집어 놓았다 한다.

- 물론 당시 한국에선 몰랐지만... 이때 딥 퍼플의 수익은 앨범

판매보다는 투어에 전적으로 기댔다고. 돈이 중요친 않았지만..



*Deep Purple: 'Surprise of the Year', Billboard Magazine; May 1985.

https://books.google.co.kr/books?id=HCUEAAAAMBAJ&lpg=PA219&ots=_VAMzrnxoY&dq=deep%20purple%201985%20billboard%20surprise%20of%20the%20year&pg=PA219#v=onepage&q=deep%20purple%201985%20billboard%20surprise%20of%20the%20year&f=false

 - 얼마나 뜨거운 반응이었는가, 당시 빌보드 지 기사 아카이브.

 - 원래 하루 공연으로 그칠 계획이었는데 연이어 매진을 기록하니

  추가로 공연일 잡느라 진땀 뺐다는 행복한 뒷이야기.. 미국에서.

 - 넵워쓰에선 폭우가 쏟아지는데도 8만 관중이 운집하여 자리를

  떠나지 않았고 퍼플도 이에 열정적 퍼포먼스로 화답했다는...




80년대 말과 90년대 초반까지는 길런블랙모어의 앙숙

관계가 주된 화두였다. 길런이 쫓겨나면 블랙모어가 남고

(89년), 길런이 복귀하면 블랙모어가 나가 버리고(93년)..

팬덤은 뭐하는 짓거리냐며 성화고... 결국 블랙모어는 다시

돌아오지 않조 새트리아니를 거쳐 스티브 모스가 줄곧

원만하게 활동하며 투어 중심 활동을 이어오고 있다. (이때

한국에도 공연을 오셨더랬다. 본 블로거, 현장에 있었고..)




*Highway Star, live in Seoul

 - 1995년 3월 18일




(Deepest Purple: The Very Best of Deep Purple)




88년에 당시 소련이던 아르메니아에서 대지진이 발생해 많은

사상자가 나니 길런을 포함한 락 뮤지션들이 자선 프로젝트로

뭉쳤다. 이때 Smoke on the Water를 커버했는데 상당한

화제가 되었다.



('Smoke on the Water' by Rock Aid Armenia, 1989)

- (v) Ian Gillan, Bruce Dickinson, Paul Rodgers, Bryan Adams

- (g) Tony Iommi, David Gilmour, Brian May, Alex Lifeson,

       and Ritchie Blackmore

- (k) Geoff Downes, Keith Emerson

- (b) Chris Squire

- (d) Roger Taylor

- etc. Jon Lord, John Paul Jones







이때 맺어진 길런아르메니아의 인연은 훗날 다양한 프로젝트로

결실을 이어나간다. Rock Aid Armenia 20주년을 기념해 09년에

아르메니아에서 토니 아이오미제프 다운즈와 함께 공로 훈장을

서훈받았다. 이 조합에 2년 후 존 로드를 포함하여 제이슨 뉴스테드,

니코 맥브레인이 가세한 슈퍼그룹이 결성되니 후케어즈였다. 그는

아르메니아 자선 프로젝트에 지속적으로 참여했고 이 멤버 그대로

공연도 이어나갔다.



('Out of My Mind' by WhoCares, 2011)




93년에 길런/퍼플에서 갈라져 나온 블랙모어. 안타깝지만

이후엔 딥 퍼플로 다시 돌아가지 않았고 앞으로도 복귀할

가능성은 높아 보이지 않는다. 현재는 아내 캔디스 나이트

포크락(!) 밴드 블랙모어s 나이트를 결성해 루츠 음악에 더

근접한 활동을 지속해오고 계신 실정... 아쉽긴 하다.



 (Blackmore's Night)




68년 결성 후 페이스와 함께 줄곧 밴드를 지탱하며 실질적인

리더로 믿음직스러운 맏형이었던 로드. 멤버들과 많게는 열 살

가까이 나이 차가 지는지라 현역에서 물러나는 순서도 이 분을

기점으로 시작되었고 02년에는 스스로 딥 퍼플에서 탈퇴하여

돈 에어리에게 후임 자리를 물려주셨다. 장비 일체 포함...



          




해먼드 C-3레슬리 스피커, 마샬 앰프로 구성하는 로드만의

시그니처 톤은 그 자체로 하드락의 역사가 되었고 로드 자신을

키스 에머슨이나 릭 웨이크먼 같은 동시대 경쟁자들과 확연하게

구분 짓는 강한 차별화 요소로 자리매김했다. 피아노의 그것과

전혀 다른 오르간 만의 레가토 주법이 중요하다는 점을 항상

강조하던 존 로드... 12년에 지병인 췌장암으로 별세하셨다.





*Perfect Strangers.

 - Jon Lord 추모 콘서트




93년부터 추천 요건이 되었지만 딥 퍼플락앤롤 명예의 전당

자격 심사에서 매번 탈락하는 일은 큰 논란거리였다. 키스, 러쉬,

메탈리카, 건즈 앤 로지스 등 까마득한 후배들이 작심하고 비판을

쏟아냈고, 결국 늦었지만 16년에 드디어 딥 퍼플이 헌액 무대에

오른다. 길런, 블랙모어, 로드, 글로버, 페이스, 휴즈, 커버데일,

에반스... 여덟 명에게 영예가 주어졌다.



*Hush & Smoke on the Water. R&R Hall of Fame Induction.

 - Jon Lord가 돌아가신지 4년 후.

 - 키보드에 Don Airey, 기타에 Steve Morse.

 - 현재 라인업을 존중하기 위해 Blackmore는 불참했다고.

 - 멤버들 볼 면이 안 서는 Evans는 (당연히) 불참.







락 음악사상 가장 쿨하고 남성적인 음악 세계를 구축하고 하드락

헤비메탈의 장르 존립에 결정적 영향을 끼친 밴드, 딥 퍼플...

보컬, 기타, 키보드, 베이스, 드럼 각 파트마다 멤버 각자가 후배

뮤지션들에게 미친 영향력은 일일이 다 언급하기가 불가능할

만큼 어마어마하다.



물론 이들에게도 비판점이 존재하지 않는 것은 아니다. 결국 70년대

전성기의 짧은 스타덤에 기대어 나머지 일생의 투어 수익을 올리는

올드보이들 아니냐는 사람이 많겠지만, 그럼 비틀즈조차도 10년을

넘기지 못했는데 실질적인 상업적 전성기가 20년 이상 가는 대중

음악가가 과연 몇 팀이나 되냐고 반문하고 싶다. 30년 넘겨 히트작을

생산하는 아티스트는 딸딸 털어도 롤링 스톤즈, 폴 매카트니, 엘튼 존,

U2, 마돈나 고는 생각조차 나지 않는다. 음악 산업의 가치 사슬이나

경기 순환 주기란 것이 그만큼 짧고 지속 가능 못한 것이 현실이니까.



1억 장이 넘는다는 딥 퍼플 디스코그래피의 세계 판매고 숫자가

몇몇 지표에서 드러나지 않는다는 비판도 있다. 이것은 이들의 문제가

아니라 음악 산업 측정 지표란 것이 빅 데이터 통계량으로 체계화하기

시작한 시점이 80년대 이후인지라, 절반 이상의 판매고가 70년대에

몰려 있는 이들 상업 실적의 상당수 통계량 오늘날 추적이 불가능한

상태로 사실상 소멸해버렸기 때문이다. 다이애나 로스, 클리프 리처드,

스콜피온즈, 오지 오스본, 톰 존스, 잭슨 파이브 등 70년대 이전 실적

지분이 큰 다른 아티스트도 같은 이유로 판매고 집계에서 상당히

손해를 감수해야 한다는 전언이다.



어찌 되었든 실적 데이터에 관한 것 말고 음악적 기여도에 있어선

왠만해서 딥 퍼플을 까내리려 시도하는 용자가 많지 않을 것이다.

앞에서 했던 찬사를 반복하는 건 의미가 없겠고 그 시간에 멋진

음악이라도 하나 더 소개하는 편이 훨씬 현명하므로, 앞서 72년

Machine Head 앨범에서 각 파트별 밸런스가 어떻게 이렇게 딱

맛깔나게 조화를 이룰 수 있는가 하는 숨겨진 보석 같은 사례로서,

Pictures of Home을 추가로 제시하며 설명을 대신하고자 한다.

장담컨대 이렇게 멋진 음악을 제시할 수 있는 락 밴드, 예나

지금이나 결코 흔하지 않다.



('Pictures of Home' from Machine Head, 1972)

 - Jon Lord 및 모든 멤버의 솔로잉이 엄청난 찬사를 받았다.




특유의 screamshriek 텍스처가 본연의 선굵은 마초 캐릭터와

어우러져 이언 길런이란 불세출의 보컬리스트가 탄생하게 되었고

후배 보컬리스트들에게 끼친 영향력은 이루 말할 수가 없을 정도...

나이를 먹으며 스크리밍 음역은 점점 딸리는 것이 어쩔 수가 없을

테지만, 중후한 블루스 필로 채운 그 자유분방한 리릭 어프로치

어떤 시대를 막론하고 평단의 찬사를 이끌어냈다.



특히 강조하고 싶은 지점은 작사가로서의 능력. 그는 평생 작품에서

비속어를 딱 한 번 썼을 만큼 건강한 시적 언어를 강조하는 편이고

흔히 헤비메탈 장르에 대해 대중이 가질 편견에서 비교적 자유로운

창작자이다. 모든 가사에서 시어의 선택 자체가 퍼커션을 조율하듯이

음악성을 근간으로 해야 한다는 지론을 펼친 것으로 유명하다.



생각해보면 70~73년 겨우 서너 해 남짓 한 극전성기에 자신의 모든

에너지를 쏟아붓고 서서히 하강 그래프를 그려간 뮤지션으로 볼 수도

있지 않을까, 조심스럽게 냉정한 평가도 내리고 싶다. 하지만 그 몇

해의 성과 만으로도 평생을 평가받기에 충분할 만큼의 족적을 남긴

셈이니 전성기 활동의 질적 완성도에선 타의 추종을 불허하는 분..



브루스 디킨슨, 롭 핼포드, 폴 스탠리제임스 헷필드, 제프 테이트,

크리스 코넬, 에디 베더 등... 당장 보컬리스트로서 그의 직속 후임

계보에 들어갈만한 이름을 생각나는 대로 대충만 읊어도 이 정도다.

뭐 더 이상의 자세한 설명이 필요하겠느뇨...



*Highway Star. Perfect Strangers World Tour.

 - 라이브 실력으로 완벽하게 끗발 날리던 피크 시절의 멤버들.

 - Reunion Tour로 왜 공연계 돈을 쓸어담고 다녔는지 이해가 갈 게다.

 - 4'33".. 한때 이렇게 애틋한 시절도 있었건만...ㅜ









이언 길런하드락의 울타리에서만 머무른 것은 아니다. 후대

인류 문화사에 상대적으로 더 큰 영향을 끼쳤을지도 모른다고

여기는 특이 지점은 69년말 매우 실험적인 프로젝트를 작업하던

시절. 존 로드의 클래식 협주곡 프로젝트가 이래저래 지겹고

한가롭던 차, 당시 성공의 열망에 부풀어 있던 젊은 뮤지컬

작곡가로부터 호출을 받아 스튜디오에 가봤는데...



아직 정규 딥 퍼플 음반이 나오기 전이었지만 어느 홀을 빌려

샤우팅 질러대며 리허설에 열중하던 길런을 멀찍이서 눈여겨

보고 있었단다. 저런 하이 노트가 가능한 보컬리스트가 있었군,

하면서. 악보를 건네며 일종의 카덴차, 즉 애드립으로 할 수 있는

구간이 여기까지라고 친절히 안내해주니, 길런은 그런가 보다

하고 원래 하던 대로 냅다 질러댔다. 성경 이야기의 무슨 컨셉트

앨범인 모양인데 내년 정도에 앨범이 나온다나 어쨌다나... 암튼.



젊은 작곡가의 이름은 앤드류 로이드 웨버. 이듬해에 발매한 그

희한한 컨셉트 앨범은 바로 이런 제목이었다. Jesus Christ

Superstar... 그렇다. 웨버 뮤지컬의 전성기를 열어제낀 대박

히트작의 출발선이 바로 이 시점이었던 것이다. 그리고 전설의

시작, 가공할 샤우팅 노트로 후대 뮤지컬 배우들을 무던히도

괴롭힌 악마적 프레이즈가 바로 그렇게 탄생한 것. 세상에..



 (Jesus Christ Superstar)




뮤덕들 사이에서 하이G 겟세마네 불리우는, Gethsemane

(I Only Want to Say). 로마군에게 체포되기 직전 예수의 최후

심경을 강렬한 하드락 비트에 실어 절규처럼 토한 마스터피스.

오늘날 모든 뮤지컬 배우를 멘붕에 빠뜨리는 초고음 샤우팅이

바로 이 트랙에서 등장한다. 평범한 성악 트레이닝에 익숙할

배우들이 당황할 수밖에. 오리지널이 헤비메탈의 조상 격인

보컬리스트셨는데.. 급 불쌍해지는 우리의 배우들..



본 블로거 생각하기에, 이미 한물 간 헤비메탈 어쩌구 차치하고

이 프로젝트길런이 남긴 문화적 유산이 아마 딥 퍼플 노래보다

훨씬 더 장구하게 인류사에 남지 않겠는가 전망한다. 오늘날의

문화 산업에서 헤비메탈뮤지컬교집합 규모도 작고 별로

연결될 것 없는, 딱히 상관없는 두 장르. 길런은 전혀 상관없는

두 개의 분야에 강렬하게 흔적을 남긴 음악가로 남는 셈이다.



후대에 막대한 영향을 끼치는 걸작이 때때로 우연한 사고처럼

탄생하기도 한다는 사실을 논할 때 길런웨버겟세마네

이야기를 반드시 언급해야 한다고 본다. 물론 이후에 그는 결코

뮤지컬 세계로 돌아간 적 없고 - 한창 영화 찍을 때 딥 퍼플 월드

투어 중이었으니까 - 웨버도 이후 다시 하드락 장르로 돌아온 적

없다. 두 창작 집단의 젊고 피끓던 시절, 우연한 교차점 부근에서

역대급 걸작이 그야말로 우발적으로 탄생한 셈이라 하겠다.



무릇 인생과 예술이란 그러한 것. 화려한 전성기 시절 울트라급

성대를 자랑하시던 길런의 젊은 아우라에 흠뻑 빠져 보시기를

권유하며, 강력한 추천과 함께 금번 포스팅을 마치고자 한다.

(가련한 후대 뮤지컬 배우들의 발성 비교 영상은 덤이다.)




('Gethsemane (I Only Want to Say)' from

Jesus Christ Superstar, 1970)

 - Ian Gillan on vocals



*Ted Neeley. 73년 영화에 길런 대신 출연하신 명배우.




*Jesus Christ Superstar

 - 앤드류 로이드 웨버 & 팀 라이스 콤비의 처녀 히트작.

 - 웨버-라이스 시대를 열어젖혀 공고한 초석을 다진 명작.

 - 70년 락 오페라 컨셉트 앨범을 먼저 발표. 성공.

 - 71년 웨스트엔드 뮤지컬 무대에 데뷔. 성공.

 - 73년 뮤지컬 필름으로 제작 상영. 성공.



**배우들 비교질 동영상 - 가볍게 보시라.

https://www.youtube.com/watch?v=yfHt2YfRdSs

 - 1'12" Ian Gillan, 70년 원곡 앨범의 가수. 원흉.

 - 0'20" Ted Neeley, 73년 오리지널 영화의 배우.

  -- 여기 두 분까지는 보통 언터처블 레전드로 분류되고..

 - 0'55" Gary Cherone, Extreme의 보컬. 근데 별로다..

 - 2'09" Sebastian Bach, Skid Row의 보컬. 더 별로다..

  -- 여기 없는데 뮤덕들이 꼽는 역대 최악은 John Legend라고..ㅜ

  -- 보통 Steve Balsamo는 현역 최고로 친다고.. 동의하시는지?






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음악 산업과 음악사 전체에서 차지하는 비중과 상징성

때문에라도, 언젠가 다시 한번 진지하게 제대로 다뤄

드려야 합당하다고 고민해온 이 분을 올리겠다.



프로그레시브 락의 역사에서 뚜렷한 분기점을 제공한

예스 Yes의 영원한 프론트맨으로서 아방가르드 계열

보컬리스트 중 자타가 공인하는 최고봉으로 오래도록

추앙을 받으실, 존 앤더슨 Jon Anderson 이야기이다.











*Roundabout. 90년대 초반 Union Tour 중.

- 라인업은 Anderson-Bruford-Wakeman-Howe

  + Squire-Rabin-Kaye-White = 무대 위 8인조.




1944년 스코틀랜드 출신 가계에서 맨체스터 북방의 랭커셔를

출생지로 태어난 존 로이 앤더슨. 넉넉치 못한 가정에서 축구

선수를 꿈꿨지만 일찍이 열 다섯 나이부터 학교를 그만 두고

생활 전선에 뛰어들어야 했다. 이런저런 초기 음악 활동을

시작했다가 알바 뛰던 클럽 사장님 소개로 런던에서 크리스

스콰이어를 만나며 밴드 결성에 의기투합하게 된다. 68년.



앤더슨아트 가펑클의 전성기 보이스 텍스처와 상당히 유사한

면도 발견되거니와, 두 사람이 교집합으로 찾은 음악적 지향성은

놀랍게도 사이먼 앤 가펑클이었다. 그때는 팝씬 전체가 본능적인

포크 지향성을 가지고 있었으니 사실 당시를 살아 본 경험이

조금이라도 있다면 그리 놀랄 일도 아니긴 하다.



15년에 작고하신 스콰이어는 락 음악 역사상 가장 뛰어난

베이시스트 다섯 손가락 안에 들어간다는 분이다. 보통 훌륭한

베이스 주자가 핑거링플럭킹, 태핑 등 손가락을 주로 쓰는데

반해 피킹만으로도 후배들 기 팍팍 죽이는 테크닉과 음악성,

두 토끼를 다 잡는 공전절후의 전설이셨다. 디스토션 걸린 거친

톤에도 능하고 재즈 모드도 한 가닥 하는 등 전천후이신지라

상대적으로 기타가 소프트한 예스 사운드에서 핵심이신 분.






('America' from Yesterdays, 1975)

https://www.youtube.com/watch?v=3CACWj18ruk

*Simon & Garfunkel 원곡의 커버.

- 72년 싱글 발매 후 75년 컴필레이션 앨범에 수록.




예스의 1집이 포크 색깔을 조금 드러내며 팝 지향적 성향을 가진

것도 이해가 갈 만한 일일 터이다. 결성 초기 예스앤더슨

스콰이어 두 사람의 결탁으로 밴드를 리딩하고 나머지 사람이

하나 둘 규합한 형태였는데 이런 식으로 드럼빌 브루포드,

기타피터 뱅크스, 키보드토니 케이가 모여 들었다고.



그냥 팝 밴드였던 1집 Yes심포닉 락의 가능성을 보여준 2집

Time and a Word는 골수 팬을 제외하고 상업적으로 큰 의미를

찾기 어려우니 과감하게 생략하는 점 양해 바란다. 2집에서

대편성 관현악을 동원한 방법론에 뱅크스가 회의 어린 시각을

보였고 끝내 의견을 좁히지 못해 발매 직전에 탈퇴해 버린다.

대체 연주자로 한때 로버트 프립(!)의 영입을 시도했으나 결국

최종 낙점을 받은 사람은 스티브 하우였다.



폄하하긴 미안하지만 하우뱅크스보다 훨씬 다채로운 기법에

능하고 , 포크, 블루스, 컨트리 등 모든 장르를 아우를 줄 알며

일렉트릭어쿠스틱을 가리지 않는 방법론에 능하다는 점은

누가 봐도 자명했다. 앞선 두 앨범의 상업적 실패로 음반사에서

잔뜩 퇴진 압박을 받고 있던 차였기에 앤더슨스콰이어

새 진용으로 절치부심하고 창작에 몰두하였다.



 (The Yes Album)




71년 3집 The Yes Album이 결과물. 그들이 얻어낸 첫번째

상업적 성공작이다. 전작영국 차트에 처음 진입하긴 했으나

미미한 성적이었고 본작에 와서 앨범 차트 4위까지 오르고

미국 앨범 차트에선 40위까지 올랐다. 앨범의 대표 트랙인

I've Seen All Good People의 1부 파트곡 Your Move

싱글로 발매되어 핫100에서 탑40 오르기까지 한 것.



이번 포스팅 내내 그런 태도를 유지하겠지만 알려져 있다시피

이들은 싱글 중심의 상업성 모드로 활동하는 액트가 아니다.

주로 앨범 차트의 성적과 이를 뒷받침하는 팬덤 중심의 끈끈한

유대 관계와 프로모션 투어 실적이 주요한 수익원인 밴드이다.

그렇더라도 이따금 싱글 히트가 올라오면 앨범 전체를 알리는데

살짝 도움을 주는 것은 사실이다. - 기실 모든 프로그 씬의

아티스트들 수익 구조가 대동소이할 터이다.



밴드의 오랜 역사를 지탱하는 활동 구조가 The Yes Album

와서 비로소 정착하기 시작한 것이다. 그런 의미에서 본작이 참

중요한 의의를 갖는다. 특히 전작 두 장에서 큰 비중을 차지한

커버 곡을 싹 없애고 본작부터 크게 맘먹고 자신들의 창작성을

유감없이 발휘하며 나타난 결과이니 더욱 뿌듯한 것이다. 밴드

멤버들의 치열한 내부 토론을 통해 프로그레시브라는 장르적

지향성 역시 자연스럽게 결론으로 도출해낸 셈이기도 하고.



('Starship Trooper' from The Yes Album, 1971)



 (Portuguese 12-string Guitar)




그런 목표를 명징하게 구현해낸 본작 최고의 트랙은 뭐니뭐니

해도 Starship Trooper가 되겠다. SF장르인 로버트 하인라인

저명한 소설에 영향을 받은 가사이다. 작사는 물론 앤더슨

작품이고 스콰이어하우의 공동 작곡이다. Life Seeker -

Disillusion - Wuerm의 3부로 구성된 9분 여의 대작으로서

프로그레시브의 전성기 역사를 장식하는 명곡이다. 무엇보다

예스의 음악적 지향성을 규정하는데 밑거름이 된 작품이다.



그밖에 오프닝 트랙 Yours Is No Disgrace를 놓치지 않으

본작이 주는 느낌을 잡을 수 있을 테I've Seen All Good

People에서 하우포르투기즈 12현 기타를 멋드러지게 치는

부분도 캐치하시길. (물론 예나 지금이나 하우의 시그니처

기어는 ES-175지만서도..)



전반적으로 하우의 재기발랄한 솔로잉에 비해 키보드 파트가

뭔가 허전하게 들리는 앨범이기도. 케이는 스스로 아이덴티티를

오르가니스트로 규정한 뮤지션인지라 아날로그 신디사이저

도입에 거부감이 있던 편이었고 이 점이 팀의 균열에 영향을

미쳐 결국 해고된다. 그의 대체자로서 데이빗 보위와 음악하던

릭 웨이크먼출현하며 드디어 역사가 다시 쓰여진다.



('I've Seen All Good People' from The Yes Album, 1971)

*73년 라이브 앨범 Yessongs에 실린 버젼.



('Yours Is No Disgrace' from The Yes Album, 1971)

*73년 라이브 앨범 Yessongs에 실린 버젼.




 (Fragile)




71년 하반기 내내 작업하여 연말에 낸 4집 Fragile. 예스 연대기

사상 최대의 히트를 기록했고 프로그레시브 최고의 명반으로

누구나 엄지 척하고 꼽는 세기의 걸작 앨범이 웨이크먼 영입과

함께 나와 버렸다. 락 음악의 역사가 새로 쓰여진 순간이었다.



제작이 이루어지던 당시 밴드의 사정은 여러 모로 어수선했다고.

지난 두 번의 앨범을 거치며 두 명의 주요 멤버를 잃었고 상업적

가능성은 그나마 희망의 불씨를 살렸지만 다 함께 계속 음악을

해나갈 수 있을까 불안해 하던 한창 20대 초중반의 젊은이들에

불과하니 그럴 수밖에. 앨범 타이틀은 언제든지 깨질지도 모를

밴드의 조직 상황과 멤버들의 심리를 상징하는 의미였다 한다.



희한하게도 밴드의 시대였던 70년대는 항상 그렇게 불안불안한

환경에서 최고의 역작이 양산되던 때였다. 미국 앨범 차트 4위,

영국 앨범 차트 7위, 발매 당시 미국 골드영국 실버 인증,

커트한 싱글핫100 차트 13위 등 이전에도 이후에도 없을

밴드 커리어 최고 성적의 역사가 이 시기에 쓰여진 것이다.



('Roundabout' from Fragile, 1971)

*가사는 회전 교차로 위 유쾌한 드라이브 이야기.

- 의외로 심각한 가사는 아니다. 단순한 메세지도 명곡의 조건.



 (Gibson ES-175)




커트 싱글은 물론 프로그 최고의 명곡 Roundabout. 예스

시그니처 튠이라는데 누구도 이의를 제기할 수 없는 작품이다.

하우어쿠스틱 인트로가 묘한 분위기를 자아내다가 베이스

다이나믹스의 교과서 같은 스콰이어의 유명한 리프

verse를 이끌고 가는 구조이다.



키보드 파트가 전작에 비해 훨씬 더 탄탄해졌음이 확연하게

드러나며 런던 왕립 음악원 출신으로 클래식 기본기가 강한

웨이크먼이 왜 불세출의 연주자인지 탄식하게 만들 터이다.

변칙 어프로치에도 중심을 흐트러뜨리지 않는 브루포드

jazzy한 프리 스타일에도 경탄을 자아내게 될 것이며...



70년대가 아니면 나오기 힘든 슈퍼그룹의 빈틈없는 합.

중심에 앤더슨의 미성이 자아내는 신비로움과 장중함의

고결한 합성 작용 같은 것이 있다. 평생에 걸친 예스 라이브

무대에서 이 곡은 오랜 팬덤의 애국가처럼 셋리스트의 가장

마지막을 장식하는 앵콜 곡이었다. 전성기 예스를 상징하는

전형성을 간직하면서도 대중적 감성을 잃지 않은 명곡...

더 말해 무엇 하랴. 어떤 라이브든 찾아서 즐겨 보길.



 (Roundabout, single)




('Long Distance Runaround' from Fragile, 1971)

*dissolved into 'The Fish (Schindleria Praematurus)'.



총 9개 트랙 중 넷은 다섯 명의 합동 작업, 다섯은 개인이

창작한 곡으로 구성된다. 그룹 트랙 중 Long Distance

Runaround는 비록 앤더슨이 작곡을 주도하긴 했어도

멤버 전체의 팀워크가 빛나는 또 하나의 명곡이다. 역시

오래도록 무대에서 팬덤이 사랑해 마지 않는 시그니처 튠.

하우의 기타 리프와 스콰이어의 콤비네이션이 인상적이며

Roundabout의 싱글 B사이드에 실리기도 했다.



The Fish스콰이어의 솔로잉 곡인데 팬덤에서는 오랫동안

LDR의 2부 파트처럼 인식하는 경향이 있다. LDR에서

트랙을 커트하지 않고 디졸브로 바로 넘어가기 때문이다.

라이브에선 두 곡을 한 곡처럼 묶어 6분 짜리로 연주하는

것이 일반적이다.



('Heart of the Sunrise' from Fragile, 1971)



예스라이브 셋리스트에서 네번째로 빈번하게 연주된다는

Heart of the Sunrise브루포드스콰이어가 중심이

되는 트랙이다. 6/8, 3/4, 4/4 등 타임 시그니처를 이리저리

사정없이 옮겨가며 프레이징을 구성해 수많은 후배 밴드를

좌절시켰던ㅠ.. '따라올테면 따라와봐' 하는 느낌을 받을 듯.




('South Side of the Sky' from Fragile, 1971)



South Side of the Sky에선 하우헤비한 어프로치조차

능수능란하다는 것, 예스웨이크먼을 영입한 것 참 잘한

일이라는 것, 앤더슨스콰이어 등이 만들어내는 신비한

보컬 하모니예스 음악의 재미를 더하는 요소라는 것 등

세 가지 매력을 발견하리라 확신한다.







최근까지 미국에서만 2백만 장이 팔려 더블 플래티넘 인증을

받았다고 한다. - 영국에선 플래티넘. 구불구불 물결치는 듯

독특한 예스의 로고는 저명한 디자이너 로저 딘이 만든 건데

바로 본작에서부터 등장함을 알 수 있다.



Fragile 앨범을 듣고도 예스가 왜 최고의 밴드인지 모르겠다고?

그럼 요즘 세상의 쓰레기 음악에 지쳐서 귀가 썩었다는 뜻이니

귀청 정화의 시간을 급속하게 가지길 권유한다. 헤비메탈 씬에

딥 퍼플의 제2기가 있다면 프로그 씬에는 제3기가 있다...

이거슨 만고불변의 진리일지니.



('Roundabout' from Yessongs, 1973)

*73년 라이브 앨범 Yessongs에 실린 버젼.




 (Close to the Edge)




1972년. 음악 활동의 상업성 면에서 최고의 시기를 구가하던

다섯 명의 젊은 뮤지션들이 연초의 전작 투어를 마치고 다음

앨범 작업에 착수한다. 예술적 창의성에 있어 강한 자신감으로

무장해 있던 이들은 교만하다는 오해를 살 만큼 완성도 높은

대곡 셋으로 채운 작품을 주조해낸다. Close to the Edge.

다섯번째 앨범으로 예스 음악성의 정점을 찍었다는 앨범이다.



비교적 짧은 스코어로 상업적 코드를 맞춰 보려던 전작에 비해

정말 원없이 하고 싶은 것 다 질러버리고 전성기 멤버의 실력을

유감없이 발휘한 역작이었다. 19분, 10분, 9분에 달하는 단

세 개의 대작 트랙으로만 앨범을 채워 음악적 자존감이 하늘을

찌른다는 부러움 섞인 평가를 받기도 했다.



*72년경 Wakeman의 gear set.

- Minimoog Model D

- Mellotron M400

- Hammond C-3

- RMI 368 Electra-piano

- Steinway Concert Grand





('Close to the Edge' from eponymous album, 1972)
*pipe organ 솔로잉은 12' 10"쯤.
- 13' 55"쯤의 무그 솔로잉도 매우 유명한 프레이즈.


음악가로서 실력과 에고의 정점을 찍던 사람은 단연 웨이크먼.
피아노해먼드무그, 멜로트론, RMI를 종횡무진 갈아타며
신들린 연주를 들려주었고 동료들은 그의 창의성에 매료되었다.
특히 타이틀 트랙 Close to the Edge의 3부 클라이맥스에선
하우의 조언으로 런던 바비컨 교회 파이프 오르간을 섭외해
종교적 순고함의 극치를 표현한 기념비적 연주를 구현해낸다.
(라이브에선 직접 표현하기가 힘들어 여러 모로 아쉽다.)


Close to the Edge클래식 악곡 구성의 영향을 반영해 마치
교향곡처럼 4개의 파트로 구성한 명실상부 예스의 대표 작품.
헤르만 헤세가 석가모니의 행적을 엮어 써낸 소설 싯다르타
내용을 앤더슨 가사로 풀어낸 것이다. 지금 와서 보면 너무
오리엔탈 판타지 같아 오글거리기도 하지만 70년대 초반임을
감안한다면 충분히 용인할 법하지 않을까.
- 사실 헤세의 원작 소설이 지나치게 유럽 백인 관점에서
  지적 허영심을 부추긴다 비판 만하다.


1부의 과감한 불협화음 어프로치에서, 마하비시누 오케스트라
함께 투어하며 터득한 당시 퓨전의 사조를, 예스 식으로 풀어가고
있음을 알 수 있다. - 물론 원류는 60년대 프리 재즈일 터. 전체
프레이징의 밑바닥에서 중심을 잡아가는 동력이 강력한 베이스
라인임을 깨닫게 된다면 스콰이어가 얼마나 무지막지한 파괴력을
가진 연주자인지 비로소 느낄 수 있을 것이다. 이걸 따라가며
자기 음악을 별도로 완성하고 있는 브루포드는 또 어떻고.



('And You and I' from Close to the Edge, 1972)



시벨리우스, 바그너, 브루크너 등 19세기 후반 후기 낭만파
짙은 영향을 읽을 수 있는 And You and I싱글로도 커트해
핫100 42위에 올랐었다. 오케스트라를 지휘하듯 멜로트론
무그를 적정배합할 줄 아는 웨이크먼의 창조성이 빛을 발한다.



('Siberian Khatru' from Close to the Edge, 1972)


아랍어 방언에서 제목을 따온 Siberian Khatru는 대단히
역동적인 하우리프로 유명하다. 파트별 콤비네이션이 흡사
funk 장르를 떠올리게도 하는데 아니나 다를까 레드 핫 칠리
페퍼스존 프루시안테가 영향받은 트랙이라고 한다.


 (Rickenbacker 4001)




미국 앨범 차트 3위로 역대 최고의 성적을 세웠고 영국 차트에선

4위까지 올랐다. 최근까지 영미 양국과 캐나다 플래티넘 기록을

세운 디스코그래피 사상 최고의 완성도와 성적을 보여준 걸작.

프로그레시브 장르의 신기원을 이룩한 장르의 명작 앨범. 더는

올라갈 곳 없을 듯하던 이들에게도 위기가 오고 있었으니 제작

프로세스에 불만을 가지던 브루포드가 탈퇴를 선언한 것이다...




 (Yessongs)




브루포드재즈아방가르드 성향이 꽤나 강한 뮤지션인지라

전작의 제작 과정에서 음악 취향 차이가 심해 고생했다고. 결국

킹 크림슨으로 이적하기 위해 Close to the Edge 녹음제작

끝내자마자 탈퇴를 단행한다. 이후 킹 크림슨에서 매우 활발한

활동을 보여줬으니 제자리를 찾아간 셈일까. 아쉽긴 하지만.



후임으로는 플라스틱 오노 밴드에서 존 레논의 세션을 담당하던

앨런 화이트가 낙점된다. 장르를 두루 거친 다양한 경험치에다가

당장 영입이 가능했던 운신의 폭이 영향을 미쳤던 듯. (후보 중엔

에인슬리 던바도 있었단다.) 단, 팬덤에 따라서는 스콰이어 -

하우 - 웨이크먼 - 브루포드 시절의 환상적 연주 합이 그리워

화이트를 폄하하는 경향도 일부 찾아볼 수 있다.




('Perpetual Change' from Yessongs, 1973)

*Bill Bruford on drums.

- original track belonging to The Yes Album, 1971

- 11' 30"쯤부터 브루포드의 솔로잉이 등장하는 소중한 트랙.



('Long Distance Runaround' from Yessongs, 1973)

*Bill Bruford on drums.

- The Fish가 왜 Squire의 곡인지, 수려한 솔로잉을 들어 보시라.




73년에 발매된 최초의 라이브 앨범 Yessongs는 과도기 시절의

질풍노도 같은 연주력 상승치를 담아낸 유일한 아카이브라서

팬덤이 매우 소중하게 여기는 작품이다. 트리플 앨범으로 대부분

화이트의 연주를 담고 있지만 Long Distance Runaround

일부 트랙은 브루포드의 연주를 담고 있어 귀중한 자료이다.



동명의 콘서트 필름도 발매되어 정말 흔치 않은 당시 동영상도

구해볼 수 있다. 미국에서 플래티넘에 차트 12위까지 올랐고

영국에선 7위까지 올라 라이브 앨범 중 가장 히트한 성적이다.

그도 그럴 것이 한창 물오른 전성기 시절의 기록이니까.




('Close to the Edge' from Yessongs, 1973)

*Alan White on drums.



('Starship Trooper' from Yessongs, 1973)

*Alan White on drums.




 (Tales from Topographic Oceans)




73년 6집 Tales from Topographic Oceans에 대해선 어찌

논평해야 하나 퍽 망설여진다. 영국 앨범 차트에서 처음으로

을 찍고 미국에선 6위에 올랐으며 양국에서 골드 인증을 받아

상업적으로 실패라고 부를 수는 없었다. 하지만 이런 결과가

전작들의 성공에 기댄 것이 아니었나 하는 회의도 생긴다.



당시 힌두교 베다 철학에 심취해 있던 앤더슨이 산스크리트

경론서를 바탕으로 작사했고 주요 동기의 작곡은 하우

둘이서 전담한 방식으로 진행했다. 네 개의 전 트랙이 18~

22분에 달하는 대곡 구성이고 워낙 길어서 싱글 커트도 할

형편이 아니었다.



프로그 장르 미학의 정점을 찍는 것은 좋은데 너무 과하지 않나

싶은 느낌이랄까. 또 하우의 역량에 집중하는 것은 좋았으나

상대적으로 웨이크먼에 대한 배려가 부족한 듯했다. 이 과정에

불만을 품은 웨이크먼이 결국 밴드를 떠나는 결과도 초래했고.



네 사람 연주의 조합이 어느 정도 균형을 맞춘다는 점에서는

두번째 트랙 The Remembering을 들어볼 만하다. 웨이크먼

혹은 스콰이어의 연주력도 가장 만족스러운 편이다. 현재까지도

본작에 대한 평가는 팬덤에서도 호불호가 갈리는 편이라 하겠다.



('The Remembering (High the Memory)' from

Tales from Topographic Oceans, 1973)

https://www.youtube.com/watch?v=438-Ii_BueM




 (Relayer)




다소간 창작적 과욕을 부린 앤더슨의 패착으로 좋은 멤버를

잃은 상황이었다. 대체자로 반젤리스를 고집해보기도 했지만

밴드 포맷에 어울리는 뮤지션은 아니었다. 결국 로잔 음악원

출신으로 클래식재즈에 능한 패트릭 모라즈가 영입된다.



74년의 7집 Relayer는 영국에서 4위, 미국에서 5위까지

오르며 중흥과 쇄신을 향해 몸부림친 결과물이었다. 다소간

예전의 예술적 성과를 회복하는 듯했고 평단도 대체로 우호적

평가를 내렸다. 어찌 보면 문제가 이들 자신에게 있다기보다

프로그 장르의 인기가 서서히 사그러들고 있었다는 점 아닐까.



웨이크먼과 질감이 전혀 다른 모라즈의 연주는 잘 녹아들고

는데 어딘지 퓨전의 느낌도 묻어났다. 톨스토이의 전쟁과

평화를 소재로 한 22분짜리 대곡 The Gates of Delirium

본작을 대표하는 트랙. 후반부 파트가 싱글로 커트되기도 했다.

싱글 차트 성적은 별로였지만.



('The Gates of Delirium' from Relayer, 1974)

https://www.youtube.com/watch?v=g8kLYZvVP7s




 (Yesterdays)



75년 발매된 첫 컴필레이션 앨범 Yesterdays는 1~2집의

트랙을 종합한 거라서 당시엔 반응이 좀 있었지만 요새는

상당한 희귀 음반이 되었을 게다. 로저 딘이 1970년대에

마지막으로 디자인한 커버라는 점이 더 중요할지 모른다.




 (Going for the One)




77년 8집 Going for the One의 제작 구상 과정에서 앤더슨

다시 웨이크먼을 꼬시는데 성공하여 모라즈가 쫓겨난다.ㅠ 꽤

안타깝기는 하지만 웨이크먼의 재결합으로 모두가 분명하게

인식할 수 있었다. 지난 두 앨범의 문제점이 무엇이었는지, 또

모라즈화이트 결합이 전체 균형에 어떤 균열을 가져왔는지.



욕먹을 각오하고 논평하지만 본 블로거는 디지털 드림 도어 같은

사이트에서 더 높게 평가한 TfTORelayer보다 Going for the

One이 훨씬 더 높은 완성도의 '' 앨범이라고 강력하게 주장한다.

- 프로그란 장르에 한정해서는 DDD의 평가가 옳을지 모르지. 물론

이젠 시간이 너무 오래 지나서 이런 데 아무도 신경쓰지 않겠지만..



('Wonderous Stories' from Going for the One, 1977)

*이들이 발표한 최초의 공식 뮤직 비디오.




돌이켜보면 모라즈화이트는 의외로 플레이 스타일이 직선적이고

선이 굵은 편이었다. 아기자기하게 디테일을 살린 장식음을 잔뜩

먹인 어프로치에 그리 최적화한 연주자는 아닌 것. 문제는 이들의

단점이 곧 브루포드웨이크먼의 장점이라는데 있고 그런 특징이

예스의 최전성기 작품성을 일궈낸 동력원이라는 점. 브루포드

그렇다 치고 웨이크먼의 가세로 이런 점이 보완되니 작풍 자체가

수 년 전 전성기의 모드를 회복한 모양새가 되어 버렸다.



('Going for the One' from eponymous album, 1977)

*이 곡의 Anderson은 왠지 후배 Geddy Lee를 연상케 한다.




상업적인 감각이 살아 있는 Wonderous Stories, 다이내믹한

락의 코드를 살린 타이틀 트랙 Going for the One, 15분여의

대곡으로 5집 시절 구성력을 되살린 Awaken, 평단의 극찬을

받은 신비주의 감성의 트랙 Turn of the Century 등 다섯 개의

알찬 트랙이 제각기 상이한 매력을 뽐내며 맛있는 조합을 보여

주었고 이는 팬덤으로 하여금 Fragile의 부활이란 연상 작용을

일으키기에 충분했다고 힘주어 주장한다.



('Turn of the Century' from Going for the One, 1977)

https://www.youtube.com/watch?v=g0k-Klq-FNA




즉 연주력 과잉의 오만한 군더더기를 없애고 음악적 풍미의

조합과 구성이란 본질에 충실하니 평단과 팬덤의 긍정적인

평가가 이어진 셈이다. 영국 앨범 차트에서 마지막으로

기록했고 미국에선 8위를 기록해 상업적 성과도 준수했다.

Wonderous Stories영국 싱글 차트 7위에 올라 역대

최고 기록을 세우기도. - 영국에서. 미국 최고 성적은 후에..



('Awaken' from Going for the One, 1977)

*Wakeman이 5집에 이어 church pipe organ을 다시 도입했다.

- 스위스 브베에 있는 교회에서라고.



(Digital Dream Door's 100 Greatest Progressive Rock Albums)

https://digitaldreamdoor.com/pages/best_albumsprog.html




 (Tormato)




78년 9집 Tormato는 밴드의 시대 후반기에 콘서트 투어의

티켓 판매고가 정점을 찍던 시절을 대변하는 앨범일 것이다.

예스의 스튜디오 앨범 중 가장 빠른 시간에 최고 판매고를

기록하여 미국에서 플래티넘, 영국에서 골드 인증을 받은,

당대 상업적 아레나 락을 상징하는 작품이다.



바로 그런 이유에서 당시 언더그라운드를 점령한 punk rock

뮤지션들로부터는 집중적인 비토의 대상이 되기도 했다. 허나

당시 예스의 공연은 어디 가나 매진의 연속이었고 돈을 제일

잘 벌던 시절이었는데 뭐.. 앨범 트랙들의 전반적인 경향도

대중성과 상당히 타협한 혐의가 짙었고.



('Don't Kill the Whale' from Tormato, 1978)




영국 싱글 차트 탑40까지 오른 Don't Kill the Whale이나

Release Release 같은 트랙을 들어보면 이 사람들 참 많이

달라졌구나 싶을 게다. 웨이크먼리드 기어를 Polymoog

갈아타던 때였는데 이 두 트랙에 나오는 솔로잉은 꽤 들어볼

만하다, 키보디스트 팬이라면. RR에 나오는 화이트의 드럼

솔로잉은 ADT란 녹음 기술로 구현한 것이라고. RR의 하이

노트는 꽤 버거워라이브에선 앤더슨이 늘 제외시켰단다.



*ADT = automatic double tracking.

- 믹싱 과정에서 테이프 딜레이 방식으로 원본 파형을 두 개

트랙으로 강화함으로써 인위적으로 소리를 두텁게 키우는 것.



('Release Release' from Tormato, 1978)




('Future Times / Rejoice' from Tormato, 1978)

https://www.youtube.com/watch?v=Nt0w7upsRq4

*대체로 비중이 웨이크먼에 치우쳐 있다는 느낌적 느낌이랄까..



('Onward' from Tormato, 1978)

https://www.youtube.com/watch?v=hbowD1NZ-zc

*Squire가 쓴 곡 중 가장 아름다운 음률인 듯.




성공적인 투어였지만 차기작을 위해 다시 모였을 때 예스

음악 방향성을 놓고 둘로 갈라져 있었다. 더 가볍고 판타지를

강조하는 쪽으로 가자는 앤더슨웨이크먼. 반면 하드하고

헤비한 어프로치를 원한 하우, 스콰이어, 화이트. 프로세스가

진척이 될 수 없을 정도로 상황이 악화되었고 결국 앤더슨

웨이크먼이 탈퇴를 선언하는 지경까지 가버린다. 아이고.



물론 역사가 스포일러라고 몇 년 후에 다시 뭉치긴 하는데 -

예스의 사운드에서 앤더슨의 보이스를 빼면 뭐가 남겠나. -

밴드와 떨어져 있던 몇 년 사이 앤더슨은 오래도록 꿈꿔온

개인 프로젝트 활동에 전념한다. 바로 반젤리스와의 협업.

야~ 신난다..






앤더슨은 두어 차례 그를 예스 액트에 끌어들이려 시도했다.

멤버나 제작진이 반대하기도 하고 반젤리스의 음악 패턴도

궁합이 안 맞기도 하여 한동안 입맛만 다시고 있었는데...

사실 75년에 그와의 첫 결합 기회가 찾아왔다.



이젠 희귀 명반으로 남은 반젤리스의 솔로 앨범 Heaven

and Hell이 75년에 발매되면서 가사가 들어간 트랙이 딱

하나 들어갔는데 여기에 앤더슨을 초빙한 것. So Long

Ago So Clear란 곡인데 신비로운 감수성을 가진 보컬과

연주자가 만나 궁극의 상생을 보여준다.



('So Long Ago, So Clear' by Vangelis feat. Jon Anderson, 1975)



('12 o'clock' by Vangelis, 1975)

https://www.youtube.com/watch?v=C6eFcCL-Ync

*익히 들어봤을 마성의 BGM. Heaven and Hell 앨범.




 (The Friends of Mr. Cairo)




존 앤 반젤리스로 명명하게 된 이들의 협업. 전성기는 80년대

초반까지인데 - 앤더슨이 예스로 복귀하기 전까지 - 81년에

영국 차트 6위까지 오르는 등 The Friends of Mr. Cairo

앨범의 반응이 가장 좋았다. I'll Find My Way Home이란

싱글 히트 튠까지 나왔더랬다. - 영국 차트 6위.



('I'll Find My Way Home' by Jon and Vangelis, 1981)



('The Friends of Mr. Cairo' by Jon and Vangelis, 1981)

*원곡은 12분짜리인데 이건 뮤비에 맞춘 짧은 버젼.

- 30~40년대 말타의 매 같은 느와르 필름의 경향을 표현.



이듬해 무려 디스코의 여왕 도나 섬머가 커버하시기도 한 State

of Independence는 원곡 반응은 시원치 않았지만 섬머

커버가 핫100에서 탑40에 근접하는 성과를 내기도 했다.



('State of Independence' by Jon and Vangelis, 1981)



('State of Independence' by Donna Summer, 1982)

https://www.youtube.com/watch?v=cPlNrP9B2Zs

*심지어 프로듀싱은 바로 그 Quincy Jones.







그 사이 예스는 죽쑤고 있었냐고? 평론가들을 설득하는 데는

성공했는데 팬덤이 문제였다. 핵심 멤버 둘을 잃고 어수선한

가운데 급하게 낸 80년 10집 Drama의 초반 반응은 영국

차트 2위까지 오르는 등 괜찮았으나 팬들이 멤버 교체를

인지한 때문인지 뒷심이 받쳐주지 못했다. 투어 끝내고 그

싸늘함을 실감한 밴드는 결국 해체를 선언한다. 아이고2.



('Into the Lens' by Yes, 1980)

*MTV 시대인지라 많이들 준비한 것이 눈에 띈다.

- 교체 멤버는 Trevor Horn과 Geoff Downes.

- The Buggles 시즌2 및 Asia와 GTR 프리퀄.



('Machine Messiah' by Yes, 1980)

https://www.youtube.com/watch?v=dXsFByRJsos

*Drama의 오프닝 트랙이자 가장 긴 대곡.

- Vocoder 혼합한 헤비메탈의 느낌을 지울 수 없다.

- 극단적인 팬덤은 버글스의 아류 냄새가 너무 난다고 깐다.ㅜ

- 의외로 혼의 음색이 앤더슨 느낌을 꽤 풍긴다는 것이 함정.







82년경이었나. 해체하고 어슬렁대던 스콰이어화이트에게

남아공 출신 기타리스트 트레버 래빈과 연결될 기회가 생긴다.

합이 잘 맞네, 싶어 토니 케이까지 끌어들여 밴드 새로 만들까

하는 궁리를 하던 차... 스콰이어가 파티에서 앤더슨을 만난다.

같이 해볼래? 제안을 덥썩 무는 그. 요상하게 전설적 밴드의

새 버젼 모양새가 되자 래빈은 내켜하지 않았다고.. 궁시렁..



 (90125)




그렇게 어영부영 몇 해 만에 예스는 다시 재결합한다. 83년에

새 앨범 90125를 들고. 프로그예스뉴웨이브 버젼으로

완전 변신하여 새로운 팬덤을 형성하지만 기존 프로그 팬에게

지대하게 욕쳐먹은... Owner of a Lonely Heart란 명곡을

배출한... 바로 그 앨범, 11집.



발매 당시 미국 빌보드200에서 5위, 영국 앨범 차트 16위까지

오르는 등 예전 전성기 정도의 성적을 회복하는 정도에 불과한

줄 알았는데.. 가장 시장이 큰 미국에서 판매고가 넘사벽 급으로서

현재까지 3백만 장을 넘기고 트리플 플래티넘을 기록하는 빼어난

결과를 얻어낸지라 본작이 중요한 것.



('Owner of a Lonely Heart' from 90125, 1983)

*앨범 타이틀에 큰 의미는 없고 그저 소속사의 카탈로그 일련번호.



('Cinema' from 90125, 1983)

https://www.youtube.com/watch?v=qSRzlThuXmM




시그니처 히트 싱글 Owner of a Lonely Heart예스의 유일한

핫100 1위 곡. 인스트루멘탈 트랙 Cinema로 이들의 유일한 그래미

어워드까지 수상했을 정도였다. 개별적으로는 소소한 히트였으나

Leave It, It Can Happen, Hold On, Changes 등 후속

싱글도 줄을 이어 앨범의 판매를 도왔다.



본작의 성공에 힘입은 84~85년의 9012Live Tour예스의 역대

투어 중 최대 투자가 이루어져 최대 수익을 거둬들였다. 저명한 영화

감독 스티븐 소더버그의 연출로 9012Live콘서트 필름을 제작해

발매했고 당시 예산으로 1백만 불이 넘는 특수효과를 차용해 뜨거운

반응을 얻었단다.



('Leave It' from 90125, 1983)



('It Can Happen' from 90125, 1983)




래빈, 스콰이어, 화이트, 케이앤더슨 조합이 8기 예스를 구성한

멤버들. 당시에는 래빈의 스타일을 놓고 설왕설래, 정말 말도 많고

탈도 많았다, 팬덤에서. 또 뭔가 2프로 부족한 케이의 스타일 놓고도

웨이크먼 언제 복귀하냐, 반젤리스 가능성 없냐, 등등 온갖 썰이

난무했더랬지... 다 옛날 이야기다.



래빈은 본래 싱어송라이터로 커리어를 시작한 사람이라 넘사벽급

앤더슨의 존재감에 상당한 부담감을 가졌다는 후문. 또 신디 다루는

실력도 한 가닥 하는지 묘하게 반목하는 사이였던 케이가 잠시나마

탈퇴했다가 에디 잡슨이 메꾸기도 하는 등 우여곡절이 있었단다.

하긴 전체 방향성에 있어 래빈스콰이어가 다 만든 모양새

앤더슨은 숟가락만 얹은 느낌이 살짝 들기 시작한 것도 사실..



('Hold On' from 90125, 1983)



('Changes' from 90125, 1983)




 (Big Generator)




어쨌든 물들어올 때 노저으라고, 잘 팔리면 장땡이지. 쇠뿔도

단김에 빼랬다고, 86년부터 12집 제작에 착수한다. 프로듀서

맡던 트레버 혼래빈 사이에도 트러블이 생겨 아예 제작

전반을 래빈이 주도했단다. 그래서 이듬해 나온 것이 신작,

Big Generator.



이제 예스는 더 이상 프로그 아니에요, 선언한 듯한 앨범.

래빈의 입김이 정말 센 앨범이었다. 미국 앨범 차트 15위,

영국 17위에, 미국 시장 인증은 플래티넘까지 받는 등...

상업성과 예술성 양쪽에서 꽤 어중간한 평가를 받았다.



앤더슨은 여전히 붕뜬 분위기에서 넘사벽급 보컬 실력만

자랑하는 모양새랄까. 어쨌든 그래미 어워드 후보 지명도

받고 (마지막) 핫100 탑40 히트 싱글도 둘이나 나오는 등

선방은 했다...만. 앤더슨의 위상이 뭔가 물과 기름인 것..



('Love Will Find a Way' from Big Generator, 1987)

*미국 싱글 차트 Hot 100 30위, 메인스트림 락 차트 탑 기록.



('Rhythm of Love' from Big Generator, 1987)

*미국 싱글 차트 Hot 100 40위, 메인스트림 락 차트 2위.



('Shoot High Aim Low' from Big Generator, 1987)

https://www.youtube.com/watch?v=CNnKau1OLp4

*미 메인스트림 락 차트 11위.




 (Anderson Bruford Wakeman Howe)




으악. 80년대 말은 온갖 슈퍼그룹이 이합집산을 거듭하며

밴드의 시대 마지막 광채를 휘날리던 때였는데, 옛 예스

앤더슨이 이 기회를 놓칠소냐. 앤더슨이 붕뜬다고 했잖나.

결국 가장 잘 나갔던 3기 멤버들 - 스콰이어 빼고 - 그들을

다시 소환하여 슈퍼그룹을 결성하고 만다. ABWH. 두둥.



Anderson Bruford Wakeman Howe. 커버 디자인도

로저 딘이 컴백하시고 누가 봐도 예스 앨범인데 예스를

예스라 부르지 못하는 홍길동 사태의 원인은 스콰이어..

상표권을 그가 독점 소유하고 있었거덩. 이그. - 베이스

누가 쳤냐고? 전가의 보도, 토니 레빈께서..



사이드 프로젝트 성격임에도 불구하고 진성 팬덤은 누구든

본작의 가치를 알아봤기에 영국 앨범 차트 14위, 미국 30위

등 성적도 준수한 편이었다. 가사 연속성에서 예스 시절과

연결되는 Quartet, 싱글로도 나온 Order of the Universe

등 대곡 트랙들에 진정한 매력이 있다고 하겠다. 특히나

디지털 신디사이저의 시대를 맞아 웨이크먼의 표현력이

하늘을 날아다니는 듯하다.



('Quartet' from Anderson Bruford Wakeman Howe, 1989)



('Order of the Universe' from ABWH, 1989)




뭐 이렇게 이합집산이 심하냐 싶은 이분들, 결국 스콰이어

예스 네 명과 ABWH 네 명이 합쳐 새롭게 예스를 결성한다.

- 8인조. 이쯤되면 팬덤 고문이다. 90년대 초반 이렇게 뭉쳐

앨범도 내고 여덟 명이서 사이좋게 투어 다니면서 연주력의

정점을 세계 만방에 자랑하셨더랬다.



이후엔 여전히 여러 멤버들이 이합집산을 거듭하며 지금까지도

투어를 이끌며 잘 살고들 계신다. 금세기까지도 예스라이브

아카이브가 여러 버젼 남아 있지만 개인적으론 90년대 초중반

시기가 가장 반짝반짝 하지 않나 싶다. 그 이후엔 아무래도

나이가 있어서, 특히 앤더슨의 기량은 많이 떨어져 보인다.



마지막까지 예스에서 탈퇴하지 않아 상표권을 움켜쥐고 계셨던

크리스 스콰이어는 15년에 지병으로 돌아가시고 만다. RIP...

안타깝게도 그가 돌아가신 후 17년에 락앤롤 명예의 전당

헌액되어 원년 멤버 중 그만 빼고 다 모여 자축하기도 했다.

(이때 공연에서 베이스게디 리가 쳐줬다.)




*Roundabout. 01년 네덜란드 Symphonic Live; Magnification Tour.

- 무대 난입해 춤추는 분들은 오케스트라 단원들. 피날레 곡이라서..

- 라인업은 Anderson-Squire-Howe-White.

- 키보드에 투어 세션 Tom Brislin.



*Starship Trooper. 84년 독일 공연, 9012Live Tour.

- 라인업은 Anderson-Squire-Rabin-Kaye-White.



*Long Distance Runaround. 04년 스위스 공연, Lugano Festival.

- 라인업은 Anderson-Squire-Howe-Wakeman-White.



*Close to the Edge. 75년 영국 공연, Relayer Tour.

- 라인업은 Anderson-Squire-Howe-White-Moraz.



*Heart of the Sunrise. 89년 ABWH로서 공연.

- 베이스에 투어 세션 Jeff Berlin.






전성기 시절 천사처럼 하늘에서 강림한 듯한, 천상의 목소리를

자랑하신 존 앤더슨. 보컬리스트로서 프로그레시브라는 서브

장르에서 길고 굵게 한 획을 당당히 그은 그 발자취는 대단히

존경스러운 것이며, 영미 시장 합계 총 1천 5백만 장에 달하는

판매고의 예스 디스코그래피 전체에서 이를 관통하는 신비주의

정서의 가사 철학은 분명히 그의 공이 아닐 수 없다.



하지만 완벽한 사람은 없다고, 솔로 아티스트로서 또는 하나의

자립한 음악가로서의 존재감이 그다지 크진 않다. 이 분의 솔로

앨범을 들어보면 창법이 작곡을 삼켜 버린다고나 할까, 독창적

음역과 보이스의 질감이 오히려 운신의 폭을 좁혀 어떤 음악을

들어도 존 앤더슨임이 드러나지만 반대로 보컬리스트로서

다채로운 변화의 폭을 표현하는 데에는 큰 한계가 있다.



본인의 공식 웹사이트에도 올려 놓았지만 하도 음역이 높아서

팔세토 창법을 구사하는 남성 카운터테너란 오해를 많이 받으신

모양인데, 아니라고 명명백백히 밝히셨다. 남성의 테너와 여성의

알토 사이엔 세부적으로 여러 유형이 존재하는데 굳이 분류하면

본인은 알토 테너 - 콘트라알토나 카운터테너보다 낮고 보통

테너보다 높은 - 에 해당한다고... 참고하시길.




*Roundabout. 17년 헌액식 공연 중. 베이스 Geddy Lee.

- 자기 관리에 철저하여 노년에도 기량이 딸리지 않는 점만은 존경스럽다.



*Owner of a Lonely Heart. 17년 영국 공연.

- Yes feat. Jon Anderson, Trevor Rabin, Rick Wakeman이란

  액트로 2010년 이후 최근 노년까지도 활발하게 투어를 열고 사신다.

- Wakeman과 Rabin이 원곡에 없는 솔로잉을 어떻게 더 연장했는가..

  4' 25"쯤 이후. 이런 점이 노장들 라이브의 묘미이다.






 (Polonaise, single?)




개인적으로 가장 좋아하는 존 앤더슨의 곡은 의외의 작품인데

한국의 중장년층에겐 흘러간 팝송일 테고 전세계 팬덤에서는

많이 알려져 있지 않은 존 앤 반젤리스의 숨은 명곡으로 꼽힌다.

바로 83년 Private Collection 앨범의 네번째 트랙 Polonaise.



곡명이 폴로네이즈인 이유는 첫째, 반젤리스가 시작하고 2분 40초

지나서 프리데릭 쇼팽이 쓴 A플랫 장조 작품 53번 피아노 독주곡의

유명한 악절을 차용했기 때문이며, 둘째, 앤더슨이 가사의 배경으로서

- 1981~83년에 걸친 공산당 독재 정권의 계엄령 공세에 맞서 자유를

쟁취하기 위한 항거와 투쟁을 벌였던 - 평범한 폴란드 국민들의

이야기를 끌어와 그 정신을 기렸기 때문이다.



음악 이야기 포스팅하면서 웬만하면 가사 해석 안 하려고 하는데

이 곡의 가사는 역사 배경도 있거니와 작사 능력 출중한 앤더슨

작품 중에서도 특히 아름답다는 생각이 들어 예외적으로 공개한다.

노랫말과 뒷이야기에 한층 더 집중하면서 슬프고도 아름다운 옛

음악을 즐기길 바라 마지 않고, 80년 광주 및 83년 바르샤바의

못내 이룬 '연대'의 회한을 반추하며... 금번 포스팅을 마치련다.




https://genius.com/Jon-and-vangelis-polonaise-lyrics




('Polonaise' by Jon and Vangelis, 1983)






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