잔규네 : MUSIC's POLITICS

음악 산업과 음악사 전체에서 차지하는 비중과 상징성

때문에라도, 언젠가 다시 한번 진지하게 제대로 다뤄

드려야 합당하다고 고민해온 이 분을 올리겠다.

프로그레시브 락의 역사에서 뚜렷한 분기점을 제공한

예스 Yes의 영원한 프론트맨으로서 아방가르드 계열

보컬리스트 중 자타가 공인하는 최고봉으로 오래도록

추앙을 받으실, 존 앤더슨 Jon Anderson 이야기이다.

*Roundabout. 90년대 초반 Union Tour 중.

- 라인업은 Anderson-Bruford-Wakeman-Howe

  + Squire-Rabin-Kaye-White = 무대 위 8인조.

1944년 스코틀랜드 출신 가계에서 맨체스터 북방의 랭커셔를

출생지로 태어난 존 로이 앤더슨. 넉넉치 못한 가정에서 축구

선수를 꿈꿨지만 일찍이 열 다섯 나이부터 학교를 그만 두고

생활 전선에 뛰어들어야 했다. 이런저런 초기 음악 활동을

시작했다가 알바 뛰던 클럽 사장님 소개로 런던에서 크리스

스콰이어를 만나며 밴드 결성에 의기투합하게 된다. 68년.

앤더슨이 아트 가펑클의 전성기 보이스 텍스처와 상당히 유사한

면도 발견되거니와, 두 사람이 교집합으로 찾은 음악적 지향성은

놀랍게도 사이먼 앤 가펑클이었다. 그때는 팝씬 전체가 본능적인

포크 지향성을 가지고 있었으니 사실 당시를 살아 본 경험이

조금이라도 있다면 그리 놀랄 일도 아니긴 하다.

15년에 작고하신 스콰이어는 락 음악 역사상 가장 뛰어난

베이시스트 다섯 손가락 안에 들어간다는 분이다. 보통 훌륭한

베이스 주자가 핑거링과 플럭킹, 태핑 등 손가락을 주로 쓰는데

반해 피킹만으로도 후배들 기 팍팍 죽이는 테크닉과 음악성,

두 토끼를 다 잡는 공전절후의 전설이셨다. 디스토션 걸린 거친

톤에도 능하고 재즈 모드도 한 가닥 하는 등 전천후이신지라

상대적으로 기타가 소프트한 예스 사운드에서 핵심이신 분.

('America' from Yesterdays, 1975)

https://www.youtube.com/watch?v=3CACWj18ruk

*Simon & Garfunkel 원곡의 커버.

- 72년 싱글 발매 후 75년 컴필레이션 앨범에 수록.

예스의 1집이 포크 색깔을 조금 드러내며 팝 지향적 성향을 가진

것도 이해가 갈 만한 일일 터이다. 결성 초기 예스는 앤더슨과

스콰이어 두 사람의 결탁으로 밴드를 리딩하고 나머지 사람이

하나 둘 규합한 형태였는데 이런 식으로 드럼에 빌 브루포드,

기타에 피터 뱅크스, 키보드에 토니 케이가 모여 들었다고.

그냥 팝 밴드였던 1집 Yes나 심포닉 락의 가능성을 보여준 2집

Time and a Word는 골수 팬을 제외하고 상업적으로 큰 의미를

찾기 어려우니 과감하게 생략하는 점 양해 바란다. 2집에서

대편성 관현악을 동원한 방법론에 뱅크스가 회의 어린 시각을

보였고 끝내 의견을 좁히지 못해 발매 직전에 탈퇴해 버린다.

대체 연주자로 한때 로버트 프립(!)의 영입을 시도했으나 결국

최종 낙점을 받은 사람은 스티브 하우였다.

폄하하긴 미안하지만 하우가 뱅크스보다 훨씬 다채로운 기법에

능하고 락, 포크, 블루스, 컨트리 등 모든 장르를 아우를 줄 알며

일렉트릭과 어쿠스틱을 가리지 않는 방법론에 능하다는 점은

누가 봐도 자명했다. 앞선 두 앨범의 상업적 실패로 음반사에서

잔뜩 퇴진 압박을 받고 있던 차였기에 앤더슨과 스콰이어는

새 진용으로 절치부심하고 창작에 몰두하였다.

 (The Yes Album)

71년 3집 The Yes Album이 결과물. 그들이 얻어낸 첫번째

상업적 성공작이다. 전작이 영국 차트에 처음 진입하긴 했으나

미미한 성적이었고 본작에 와서 앨범 차트 4위까지 오르고

미국 앨범 차트에선 40위까지 올랐다. 앨범의 대표 트랙인

I've Seen All Good People의 1부 파트곡 Your Move가

싱글로 발매되어 핫100에서 탑40에 오르기까지 한 것.

이번 포스팅 내내 그런 태도를 유지하겠지만 알려져 있다시피

이들은 싱글 중심의 상업성 모드로 활동하는 액트가 아니다.

주로 앨범 차트의 성적과 이를 뒷받침하는 팬덤 중심의 끈끈한

유대 관계와 프로모션 투어 실적이 주요한 수익원인 밴드이다.

그렇더라도 이따금 싱글 히트가 올라오면 앨범 전체를 알리는데

살짝 도움을 주는 것은 사실이다. - 기실 모든 프로그 씬의

아티스트들 수익 구조가 대동소이할 터이다.

밴드의 오랜 역사를 지탱하는 활동 구조가 The Yes Album에

와서 비로소 정착하기 시작한 것이다. 그런 의미에서 본작이 참

중요한 의의를 갖는다. 특히 전작 두 장에서 큰 비중을 차지한

커버 곡을 싹 없애고 본작부터 크게 맘먹고 자신들의 창작성을

유감없이 발휘하며 나타난 결과이니 더욱 뿌듯한 것이다. 밴드

멤버들의 치열한 내부 토론을 통해 프로그레시브라는 장르적

지향성 역시 자연스럽게 결론으로 도출해낸 셈이기도 하고.

('Starship Trooper' from The Yes Album, 1971)

 (Portuguese 12-string Guitar)

그런 목표를 명징하게 구현해낸 본작 최고의 트랙은 뭐니뭐니

해도 Starship Trooper가 되겠다. SF장르인 로버트 하인라인의

저명한 소설에 영향을 받은 가사이다. 작사는 물론 앤더슨의

작품이고 스콰이어와 하우의 공동 작곡이다. Life Seeker -

Disillusion - Wuerm의 3부로 구성된 9분 여의 대작으로서

프로그레시브의 전성기 역사를 장식하는 명곡이다. 무엇보다

예스의 음악적 지향성을 규정하는데 밑거름이 된 작품이다.

그밖에 오프닝 트랙 Yours Is No Disgrace를 놓치지 않으면

본작이 주는 느낌을 감잡을 수 있을 테고 I've Seen All Good

People에서 하우가 포르투기즈 12현 기타를 멋드러지게 치는

부분도 캐치하시길. (물론 예나 지금이나 하우의 시그니처

기어는 ES-175이지만서도..)

전반적으로 하우의 재기발랄한 솔로잉에 비해 키보드 파트가

뭔가 허전하게 들리는 앨범이기도. 케이는 스스로 아이덴티티를

오르가니스트로 규정한 뮤지션인지라 아날로그 신디사이저의

도입에 거부감이 있던 편이었고 이 점이 팀의 균열에 영향을

미쳐 결국 해고된다. 그의 대체자로서 데이빗 보위와 음악하던

릭 웨이크먼이 출현하며 드디어 역사가 다시 쓰여진다.

('I've Seen All Good People' from The Yes Album, 1971)

*73년 라이브 앨범 Yessongs에 실린 버젼.

('Yours Is No Disgrace' from The Yes Album, 1971)

*73년 라이브 앨범 Yessongs에 실린 버젼.

 (Fragile)

71년 하반기 내내 작업하여 연말에 낸 4집 Fragile. 예스 연대기

사상 최대의 히트를 기록했고 프로그레시브 최고의 명반으로

누구나 엄지 척하고 꼽는 세기의 걸작 앨범이 웨이크먼 영입과

함께 나와 버렸다. 락 음악의 역사가 새로 쓰여진 순간이었다.

제작이 이루어지던 당시 밴드의 사정은 여러 모로 어수선했다고.

지난 두 번의 앨범을 거치며 두 명의 주요 멤버를 잃었고 상업적

가능성은 그나마 희망의 불씨를 살렸지만 다 함께 계속 음악을

해나갈 수 있을까 불안해 하던 한창 20대 초중반의 젊은이들에

불과하니 그럴 수밖에. 앨범 타이틀은 언제든지 깨질지도 모를

밴드의 조직 상황과 멤버들의 심리를 상징하는 의미였다 한다.

희한하게도 밴드의 시대였던 70년대는 항상 그렇게 불안불안한

환경에서 최고의 역작이 양산되던 때였다. 미국 앨범 차트 4위,

영국 앨범 차트 7위, 발매 당시 미국 골드 및 영국 실버 인증,

커트한 싱글의 핫100 차트 13위 등 이전에도 이후에도 없을

밴드 커리어 최고 성적의 역사가 이 시기에 쓰여진 것이다.

('Roundabout' from Fragile, 1971)

*가사는 회전 교차로 위 유쾌한 드라이브 이야기.

- 의외로 심각한 가사는 아니다. 단순한 메세지도 명곡의 조건.

 (Gibson ES-175)

커트 싱글은 물론 프로그 최고의 명곡 Roundabout. 예스의

시그니처 튠이라는데 누구도 이의를 제기할 수 없는 작품이다.

하우의 어쿠스틱 인트로가 묘한 분위기를 자아내다가 베이스

다이나믹스의 교과서 같은 스콰이어의 유명한 리프가

verse를 이끌고 가는 구조이다.

키보드 파트가 전작에 비해 훨씬 더 탄탄해졌음이 확연하게

드러나며 런던 왕립 음악원 출신으로 클래식 기본기가 강한

웨이크먼이 왜 불세출의 연주자인지 탄식하게 만들 터이다.

변칙 어프로치에도 중심을 흐트러뜨리지 않는 브루포드의

jazzy한 프리 스타일에도 경탄을 자아내게 될 것이며...

70년대가 아니면 나오기 힘든 슈퍼그룹의 빈틈없는 합.

중심에 앤더슨의 미성이 자아내는 신비로움과 장중함의

고결한 합성 작용 같은 것이 있다. 평생에 걸친 예스 라이브

무대에서 이 곡은 오랜 팬덤의 애국가처럼 셋리스트의 가장

마지막을 장식하는 앵콜 곡이었다. 전성기 예스를 상징하는

전형성을 간직하면서도 대중적 감성을 잃지 않은 명곡...

더 말해 무엇 하랴. 어떤 라이브든 찾아서 즐겨 보길.

 (Roundabout, single)

('Long Distance Runaround' from Fragile, 1971)

*dissolved into 'The Fish (Schindleria Praematurus)'.

총 9개 트랙 중 넷은 다섯 명의 합동 작업, 다섯은 개인이

창작한 곡으로 구성된다. 그룹 트랙 중 Long Distance

Runaround는 비록 앤더슨이 작곡을 주도하긴 했어도

멤버 전체의 팀워크가 빛나는 또 하나의 명곡이다. 역시

오래도록 무대에서 팬덤이 사랑해 마지 않는 시그니처 튠.

하우의 기타 리프와 스콰이어의 콤비네이션이 인상적이며

Roundabout의 싱글 B사이드에 실리기도 했다.

The Fish는 스콰이어의 솔로잉 곡인데 팬덤에서는 오랫동안

위 LDR의 2부 파트처럼 인식하는 경향이 있다. LDR에서

트랙을 커트하지 않고 디졸브로 바로 넘어가기 때문이다.

라이브에선 두 곡을 한 곡처럼 묶어 6분 짜리로 연주하는

것이 일반적이다.

('Heart of the Sunrise' from Fragile, 1971)

예스의 라이브 셋리스트에서 네번째로 빈번하게 연주된다는

Heart of the Sunrise는 브루포드와 스콰이어가 중심이

되는 트랙이다. 6/8, 3/4, 4/4 등 타임 시그니처를 이리저리

사정없이 옮겨가며 프레이징을 구성해 수많은 후배 밴드를

좌절시켰던ㅠ.. '따라올테면 따라와봐' 하는 느낌을 받을 듯.

('South Side of the Sky' from Fragile, 1971)

South Side of the Sky에선 하우가 헤비한 어프로치조차

능수능란하다는 것, 예스가 웨이크먼을 영입한 것이 참 잘한

일이라는 것, 앤더슨과 스콰이어 등이 만들어내는 신비한

보컬 하모니도 예스 음악의 재미를 더하는 요소라는 것 등

세 가지 매력을 발견하리라 확신한다.

최근까지 미국에서만 2백만 장이 팔려 더블 플래티넘 인증을

받았다고 한다. - 영국에선 플래티넘. 구불구불 물결치는 듯

독특한 예스의 로고는 저명한 디자이너 로저 딘이 만든 건데

바로 본작에서부터 등장함을 알 수 있다.

Fragile 앨범을 듣고도 예스가 왜 최고의 밴드인지 모르겠다고?

그럼 요즘 세상의 쓰레기 음악에 지쳐서 귀가 썩었다는 뜻이니

귀청 정화의 시간을 급속하게 가지길 권유한다. 헤비메탈 씬에

딥 퍼플의 제2기가 있다면 프로그 씬에는 예스 제3기가 있다...

이거슨 만고불변의 진리일지니.

('Roundabout' from Yessongs, 1973)

*73년 라이브 앨범 Yessongs에 실린 버젼.

 (Close to the Edge)

1972년. 음악 활동의 상업성 면에서 최고의 시기를 구가하던

다섯 명의 젊은 뮤지션들이 연초의 전작 투어를 마치고 다음

앨범 작업에 착수한다. 예술적 창의성에 있어 강한 자신감으로

무장해 있던 이들은 교만하다는 오해를 살 만큼 완성도 높은

대곡 셋으로 채운 작품을 주조해낸다. Close to the Edge.

다섯번째 앨범으로 예스 음악성의 정점을 찍었다는 앨범이다.

비교적 짧은 스코어로 상업적 코드를 맞춰 보려던 전작에 비해

정말 원없이 하고 싶은 것 다 질러버리고 전성기 멤버의 실력을

유감없이 발휘한 역작이었다. 19분, 10분, 9분에 달하는 단

세 개의 대작 트랙으로만 앨범을 채워 음악적 자존감이 하늘을

찌른다는 부러움 섞인 평가를 받기도 했다.

*72년경 Wakeman의 gear set.

- Minimoog Model D

- Mellotron M400

- Hammond C-3

- RMI 368 Electra-piano

- Steinway Concert Grand

73년 6집 Tales from Topographic Oceans에 대해선 어찌

논평해야 하나 퍽 망설여진다. 영국 앨범 차트에서 처음으로

탑을 찍고 미국에선 6위에 올랐으며 양국에서 골드 인증을 받아

상업적으로 실패라고 부를 수는 없었다. 하지만 이런 결과가

전작들의 성공에 기댄 것이 아니었나 하는 회의도 생긴다.

당시 힌두교 베다 철학에 심취해 있던 앤더슨이 산스크리트

경론서를 바탕으로 작사했고 주요 동기의 작곡은 하우와

둘이서 전담한 방식으로 진행했다. 네 개의 전 트랙이 18~

22분에 달하는 대곡 구성이고 워낙 길어서 싱글 커트도 할

형편이 아니었다.

프로그 장르 미학의 정점을 찍는 것은 좋은데 너무 과하지 않나

싶은 느낌이랄까. 또 하우의 역량에 집중하는 것은 좋았으나

상대적으로 웨이크먼에 대한 배려가 부족한 듯했다. 이 과정에

불만을 품은 웨이크먼이 결국 밴드를 떠나는 결과도 초래했고.

네 사람 연주의 조합이 어느 정도 균형을 맞춘다는 점에서는

두번째 트랙 The Remembering을 들어볼 만하다. 웨이크먼

혹은 스콰이어의 연주력도 가장 만족스러운 편이다. 현재까지도

본작에 대한 평가는 팬덤에서도 호불호가 갈리는 편이라 하겠다.

('The Remembering (High the Memory)' from

Tales from Topographic Oceans, 1973)

https://www.youtube.com/watch?v=438-Ii_BueM

 (Relayer)

다소간 창작적 과욕을 부린 앤더슨의 패착으로 좋은 멤버를

잃은 상황이었다. 대체자로 반젤리스를 고집해보기도 했지만

밴드 포맷에 어울리는 뮤지션은 아니었다. 결국 로잔 음악원

출신으로 클래식과 재즈에 능한 패트릭 모라즈가 영입된다.

74년의 7집 Relayer는 영국에서 4위, 미국에서 5위까지

오르며 중흥과 쇄신을 향해 몸부림친 결과물이었다. 다소간

예전의 예술적 성과를 회복하는 듯했고 평단도 대체로 우호적

평가를 내렸다. 어찌 보면 문제가 이들 자신에게 있다기보다

프로그 장르의 인기가 서서히 사그러들고 있었다는 점 아닐까.

웨이크먼과 질감이 전혀 다른 모라즈의 연주는 잘 녹아들고

있는데 어딘지 퓨전의 느낌도 묻어났다. 톨스토이의 전쟁과

평화를 소재로 한 22분짜리 대곡 The Gates of Delirium은

본작을 대표하는 트랙. 후반부 파트가 싱글로 커트되기도 했다.

싱글 차트 성적은 별로였지만.

('The Gates of Delirium' from Relayer, 1974)

https://www.youtube.com/watch?v=g8kLYZvVP7s

 (Yesterdays)

75년 발매된 첫 컴필레이션 앨범 Yesterdays는 1~2집의

트랙을 종합한 거라서 당시엔 반응이 좀 있었지만 요새는

상당한 희귀 음반이 되었을 게다. 로저 딘이 1970년대에

마지막으로 디자인한 커버라는 점이 더 중요할지 모른다.

 (Going for the One)

77년 8집 Going for the One의 제작 구상 과정에서 앤더슨이

다시 웨이크먼을 꼬시는데 성공하여 모라즈가 쫓겨난다.ㅠ 꽤

안타깝기는 하지만 웨이크먼의 재결합으로 모두가 분명하게

인식할 수 있었다. 지난 두 앨범의 문제점이 무엇이었는지, 또

모라즈와 화이트 결합이 전체 균형에 어떤 균열을 가져왔는지.

욕먹을 각오하고 논평하지만 본 블로거는 디지털 드림 도어 같은

사이트에서 더 높게 평가한 TfTO나 Relayer보다 Going for the

One이 훨씬 더 높은 완성도의 '락' 앨범이라고 강력하게 주장한다.

- 프로그란 장르에 한정해서는 DDD의 평가가 옳을지 모르지. 물론

이젠 시간이 너무 오래 지나서 이런 데 아무도 신경쓰지 않겠지만..

('Wonderous Stories' from Going for the One, 1977)

*이들이 발표한 최초의 공식 뮤직 비디오.

돌이켜보면 모라즈와 화이트는 의외로 플레이 스타일이 직선적이고

선이 굵은 편이었다. 아기자기하게 디테일을 살린 장식음을 잔뜩

먹인 어프로치에 그리 최적화한 연주자는 아닌 것. 문제는 이들의

단점이 곧 브루포드와 웨이크먼의 장점이라는데 있고 그런 특징이

예스의 최전성기 작품성을 일궈낸 동력원이라는 점. 브루포드는

그렇다 치고 웨이크먼의 가세로 이런 점이 보완되니 작풍 자체가

수 년 전 전성기의 모드를 회복한 모양새가 되어 버렸다.

('Going for the One' from eponymous album, 1977)

*이 곡의 Anderson은 왠지 후배 Geddy Lee를 연상케 한다.

상업적인 감각이 살아 있는 Wonderous Stories, 다이내믹한

락의 코드를 살린 타이틀 트랙 Going for the One, 15분여의

대곡으로 5집 시절 구성력을 되살린 Awaken, 평단의 극찬을

받은 신비주의 감성의 트랙 Turn of the Century 등 다섯 개의

알찬 트랙이 제각기 상이한 매력을 뽐내며 맛있는 조합을 보여

주었고 이는 팬덤으로 하여금 Fragile의 부활이란 연상 작용을

일으키기에 충분했다고 힘주어 주장한다.

('Turn of the Century' from Going for the One, 1977)

https://www.youtube.com/watch?v=g0k-Klq-FNA

즉 연주력 과잉의 오만한 군더더기를 없애고 음악적 풍미의

조합과 구성이란 본질에 충실하니 평단과 팬덤의 긍정적인

평가가 이어진 셈이다. 영국 앨범 차트에서 마지막으로 탑을

기록했고 미국에선 8위를 기록해 상업적 성과도 준수했다.

Wonderous Stories가 영국 싱글 차트 7위에 올라 역대

최고 기록을 세우기도. - 영국에서. 미국 최고 성적은 후에..

('Awaken' from Going for the One, 1977)

*Wakeman이 5집에 이어 church pipe organ을 다시 도입했다.

- 스위스 브베에 있는 교회에서라고.

(Digital Dream Door's 100 Greatest Progressive Rock Albums)

https://digitaldreamdoor.com/pages/best_albumsprog.html

 (Tormato)

78년 9집 Tormato는 밴드의 시대 후반기에 콘서트 투어의

티켓 판매고가 정점을 찍던 시절을 대변하는 앨범일 것이다.

예스의 스튜디오 앨범 중 가장 빠른 시간에 최고 판매고를

기록하여 미국에서 플래티넘, 영국에서 골드 인증을 받은,

당대 상업적 아레나 락을 상징하는 작품이다.

바로 그런 이유에서 당시 언더그라운드를 점령한 punk rock

뮤지션들로부터는 집중적인 비토의 대상이 되기도 했다. 허나

당시 예스의 공연은 어디 가나 매진의 연속이었고 돈을 제일

잘 벌던 시절이었는데 뭐.. 앨범 트랙들의 전반적인 경향도

대중성과 상당히 타협한 혐의가 짙었고.

('Don't Kill the Whale' from Tormato, 1978)

영국 싱글 차트 탑40까지 오른 Don't Kill the Whale이나

Release Release 같은 트랙을 들어보면 이 사람들 참 많이

달라졌구나 싶을 게다. 웨이크먼은 리드 기어를 Polymoog로

갈아타던 때였는데 이 두 트랙에 나오는 솔로잉은 꽤 들어볼

만하다, 키보디스트 팬이라면. RR에 나오는 화이트의 드럼

솔로잉은 ADT란 녹음 기술로 구현한 것이라고. RR의 하이

노트는 꽤 버거워서 라이브에선 앤더슨이 늘 제외시켰단다.

*ADT = automatic double tracking.

- 믹싱 과정에서 테이프 딜레이 방식으로 원본 파형을 두 개

트랙으로 강화함으로써 인위적으로 소리를 두텁게 키우는 것.

('Release Release' from Tormato, 1978)

('Future Times / Rejoice' from Tormato, 1978)

https://www.youtube.com/watch?v=Nt0w7upsRq4

*대체로 비중이 웨이크먼에 치우쳐 있다는 느낌적 느낌이랄까..

('Onward' from Tormato, 1978)

https://www.youtube.com/watch?v=hbowD1NZ-zc

*Squire가 쓴 곡 중 가장 아름다운 음률인 듯.

성공적인 투어였지만 차기작을 위해 다시 모였을 때 예스는

음악 방향성을 놓고 둘로 갈라져 있었다. 더 가볍고 판타지를

강조하는 쪽으로 가자는 앤더슨과 웨이크먼. 반면 하드하고

헤비한 어프로치를 원한 하우, 스콰이어, 화이트. 프로세스가

진척이 될 수 없을 정도로 상황이 악화되었고 결국 앤더슨과

웨이크먼이 탈퇴를 선언하는 지경까지 가버린다. 아이고.

물론 역사가 스포일러라고 몇 년 후에 다시 뭉치긴 하는데 -

예스의 사운드에서 앤더슨의 보이스를 빼면 뭐가 남겠나. -

밴드와 떨어져 있던 몇 년 사이 앤더슨은 오래도록 꿈꿔온

개인 프로젝트 활동에 전념한다. 바로 반젤리스와의 협업.

야~ 신난다..

앤더슨은 두어 차례 그를 예스 액트에 끌어들이려 시도했다.

멤버나 제작진이 반대하기도 하고 반젤리스의 음악 패턴도

궁합이 안 맞기도 하여 한동안 입맛만 다시고 있었는데...

사실 75년에 그와의 첫 결합 기회가 찾아왔다.

이젠 희귀 명반으로 남은 반젤리스의 솔로 앨범 Heaven

and Hell이 75년에 발매되면서 가사가 들어간 트랙이 딱

하나 들어갔는데 여기에 앤더슨을 초빙한 것. So Long

Ago So Clear란 곡인데 신비로운 감수성을 가진 보컬과

연주자가 만나 궁극의 상생을 보여준다.

('So Long Ago, So Clear' by Vangelis feat. Jon Anderson, 1975)

('12 o'clock' by Vangelis, 1975)

https://www.youtube.com/watch?v=C6eFcCL-Ync

*익히 들어봤을 마성의 BGM. Heaven and Hell 앨범.

 (The Friends of Mr. Cairo)

존 앤 반젤리스로 명명하게 된 이들의 협업. 전성기는 80년대

초반까지인데 - 앤더슨이 예스로 복귀하기 전까지 - 81년에

영국 차트 6위까지 오르는 등 The Friends of Mr. Cairo

앨범의 반응이 가장 좋았다. I'll Find My Way Home이란

싱글 히트 튠까지 나왔더랬다. - 영국 차트 6위.

('I'll Find My Way Home' by Jon and Vangelis, 1981)

('The Friends of Mr. Cairo' by Jon and Vangelis, 1981)

*원곡은 12분짜리인데 이건 뮤비에 맞춘 짧은 버젼.

- 30~40년대 말타의 매 같은 느와르 필름의 경향을 표현.

이듬해 무려 디스코의 여왕 도나 섬머가 커버하시기도 한 State

of Independence는 원곡 반응은 시원치 않았지만 섬머의

커버가 핫100에서 탑40에 근접하는 성과를 내기도 했다.

('State of Independence' by Jon and Vangelis, 1981)

('State of Independence' by Donna Summer, 1982)

https://www.youtube.com/watch?v=cPlNrP9B2Zs

*심지어 프로듀싱은 바로 그 Quincy Jones.

그 사이 예스는 죽쑤고 있었냐고? 평론가들을 설득하는 데는

성공했는데 팬덤이 문제였다. 핵심 멤버 둘을 잃고 어수선한

가운데 급하게 낸 80년 10집 Drama의 초반 반응은 영국

차트 2위까지 오르는 등 괜찮았으나 팬들이 멤버 교체를

인지한 때문인지 뒷심이 받쳐주지 못했다. 투어 끝내고 그

싸늘함을 실감한 밴드는 결국 해체를 선언한다. 아이고2.

('Into the Lens' by Yes, 1980)

*MTV 시대인지라 많이들 준비한 것이 눈에 띈다.

- 교체 멤버는 Trevor Horn과 Geoff Downes.

- The Buggles 시즌2 및 Asia와 GTR 프리퀄.

('Machine Messiah' by Yes, 1980)

https://www.youtube.com/watch?v=dXsFByRJsos

*Drama의 오프닝 트랙이자 가장 긴 대곡.

- Vocoder 혼합한 헤비메탈의 느낌을 지울 수 없다.

- 극단적인 팬덤은 버글스의 아류 냄새가 너무 난다고 깐다.ㅜ

- 의외로 혼의 음색이 앤더슨 느낌을 꽤 풍긴다는 것이 함정.

82년경이었나. 해체하고 어슬렁대던 스콰이어와 화이트에게

남아공 출신 기타리스트 트레버 래빈과 연결될 기회가 생긴다.

합이 잘 맞네, 싶어 토니 케이까지 끌어들여 밴드 새로 만들까

하는 궁리를 하던 차... 스콰이어가 파티에서 앤더슨을 만난다.

같이 해볼래? 제안을 덥썩 무는 그. 요상하게 전설적 밴드의

새 버젼 모양새가 되자 래빈은 내켜하지 않았다고.. 궁시렁..

 (90125)

그렇게 어영부영 몇 해 만에 예스는 다시 재결합한다. 83년에

새 앨범 90125를 들고. 프로그의 예스가 뉴웨이브 버젼으로

완전 변신하여 새로운 팬덤을 형성하지만 기존 프로그 팬에게

지대하게 욕쳐먹은... Owner of a Lonely Heart란 명곡을

배출한... 바로 그 앨범, 11집.

발매 당시 미국 빌보드200에서 5위, 영국 앨범 차트 16위까지

오르는 등 예전 전성기 정도의 성적을 회복하는 정도에 불과한

줄 알았는데.. 가장 시장이 큰 미국에서 판매고가 넘사벽 급으로서

현재까지 3백만 장을 넘기고 트리플 플래티넘을 기록하는 빼어난

결과를 얻어낸지라 본작이 중요한 것.

('Owner of a Lonely Heart' from 90125, 1983)

*앨범 타이틀에 큰 의미는 없고 그저 소속사의 카탈로그 일련번호.

('Cinema' from 90125, 1983)

https://www.youtube.com/watch?v=qSRzlThuXmM

시그니처 히트 싱글 Owner of a Lonely Heart는 예스의 유일한

핫100 1위 곡. 인스트루멘탈 트랙 Cinema로 이들의 유일한 그래미

어워드까지 수상했을 정도였다. 개별적으로는 소소한 히트였으나

Leave It, It Can Happen, Hold On, Changes 등 후속

싱글도 줄을 이어 앨범의 판매를 도왔다.

본작의 성공에 힘입은 84~85년의 9012Live Tour는 예스의 역대

투어 중 최대 투자가 이루어져 최대 수익을 거둬들였다. 저명한 영화

감독 스티븐 소더버그의 연출로 9012Live란 콘서트 필름을 제작해

발매했고 당시 예산으로 1백만 불이 넘는 특수효과를 차용해 뜨거운

반응을 얻었단다.

('Leave It' from 90125, 1983)

('It Can Happen' from 90125, 1983)

래빈, 스콰이어, 화이트, 케이에 앤더슨 조합이 8기 예스를 구성한

멤버들. 당시에는 래빈의 스타일을 놓고 설왕설래, 정말 말도 많고

탈도 많았다, 팬덤에서. 또 뭔가 2프로 부족한 케이의 스타일 놓고도

웨이크먼 언제 복귀하냐, 반젤리스 가능성 없냐, 등등 온갖 썰이

난무했더랬지... 다 옛날 이야기다.

래빈은 본래 싱어송라이터로 커리어를 시작한 사람이라 넘사벽급

앤더슨의 존재감에 상당한 부담감을 가졌다는 후문. 또 신디 다루는

실력도 한 가닥 하는지 묘하게 반목하는 사이였던 케이가 잠시나마

탈퇴했다가 에디 잡슨이 메꾸기도 하는 등 우여곡절이 있었단다.

하긴 전체 방향성에 있어 래빈과 스콰이어가 다 만든 모양새에

앤더슨은 숟가락만 얹은 느낌이 살짝 들기 시작한 것도 사실..

('Hold On' from 90125, 1983)

('Changes' from 90125, 1983)

 (Big Generator)

어쨌든 물들어올 때 노저으라고, 잘 팔리면 장땡이지. 쇠뿔도

단김에 빼랬다고, 86년부터 12집 제작에 착수한다. 프로듀서

맡던 트레버 혼과 래빈 사이에도 트러블이 생겨 아예 제작

전반을 래빈이 주도했단다. 그래서 이듬해 나온 것이 신작,

Big Generator.

이제 예스는 더 이상 프로그 아니에요, 선언한 듯한 앨범.

래빈의 입김이 정말 센 앨범이었다. 미국 앨범 차트 15위,

영국 17위에, 미국 시장 인증은 플래티넘까지 받는 등...

상업성과 예술성 양쪽에서 꽤 어중간한 평가를 받았다.

앤더슨은 여전히 붕뜬 분위기에서 넘사벽급 보컬 실력만

자랑하는 모양새랄까. 어쨌든 그래미 어워드 후보 지명도

받고 (마지막) 핫100 탑40 히트 싱글도 둘이나 나오는 등

선방은 했다...만. 앤더슨의 위상이 뭔가 물과 기름인 것..

('Love Will Find a Way' from Big Generator, 1987)

*미국 싱글 차트 Hot 100 30위, 메인스트림 락 차트 탑 기록.

('Rhythm of Love' from Big Generator, 1987)

*미국 싱글 차트 Hot 100 40위, 메인스트림 락 차트 2위.

('Shoot High Aim Low' from Big Generator, 1987)

https://www.youtube.com/watch?v=CNnKau1OLp4

*미 메인스트림 락 차트 11위.

 (Anderson Bruford Wakeman Howe)

으악. 80년대 말은 온갖 슈퍼그룹이 이합집산을 거듭하며

밴드의 시대 마지막 광채를 휘날리던 때였는데, 옛 예스와

앤더슨이 이 기회를 놓칠소냐. 앤더슨이 붕뜬다고 했잖나.

결국 가장 잘 나갔던 3기 멤버들 - 스콰이어 빼고 - 그들을

다시 소환하여 슈퍼그룹을 결성하고 만다. ABWH. 두둥.

Anderson Bruford Wakeman Howe. 커버 디자인도

로저 딘이 컴백하시고 누가 봐도 예스 앨범인데 예스를

예스라 부르지 못하는 홍길동 사태의 원인은 스콰이어..

상표권을 그가 독점 소유하고 있었거덩. 이그. - 베이스

누가 쳤냐고? 전가의 보도, 토니 레빈께서..

사이드 프로젝트 성격임에도 불구하고 진성 팬덤은 누구든

본작의 가치를 알아봤기에 영국 앨범 차트 14위, 미국 30위

등 성적도 준수한 편이었다. 가사 연속성에서 예스 시절과

연결되는 Quartet, 싱글로도 나온 Order of the Universe

등 대곡 트랙들에 진정한 매력이 있다고 하겠다. 특히나

디지털 신디사이저의 시대를 맞아 웨이크먼의 표현력이

하늘을 날아다니는 듯하다.

('Quartet' from Anderson Bruford Wakeman Howe, 1989)

('Order of the Universe' from ABWH, 1989)

뭐 이렇게 이합집산이 심하냐 싶은 이분들, 결국 스콰이어의

예스 네 명과 ABWH 네 명이 합쳐 새롭게 예스를 결성한다.

- 8인조. 이쯤되면 팬덤 고문이다. 90년대 초반 이렇게 뭉쳐

앨범도 내고 여덟 명이서 사이좋게 투어 다니면서 연주력의

정점을 세계 만방에 자랑하셨더랬다.

이후엔 여전히 여러 멤버들이 이합집산을 거듭하며 지금까지도

투어를 이끌며 잘 살고들 계신다. 금세기까지도 예스의 라이브

아카이브가 여러 버젼 남아 있지만 개인적으론 90년대 초중반

시기가 가장 반짝반짝 하지 않나 싶다. 그 이후엔 아무래도

나이가 있어서, 특히 앤더슨의 기량은 많이 떨어져 보인다.

마지막까지 예스에서 탈퇴하지 않아 상표권을 움켜쥐고 계셨던

크리스 스콰이어는 15년에 지병으로 돌아가시고 만다. RIP...

안타깝게도 그가 돌아가신 후 17년에 락앤롤 명예의 전당에

헌액되어 원년 멤버 중 그만 빼고 다 모여 자축하기도 했다.

(이때 공연에서 베이스는 게디 리가 쳐줬다.)

*Roundabout. 01년 네덜란드 Symphonic Live; Magnification Tour.

- 무대 난입해 춤추는 분들은 오케스트라 단원들. 피날레 곡이라서..

- 라인업은 Anderson-Squire-Howe-White.

- 키보드에 투어 세션 Tom Brislin.

*Starship Trooper. 84년 독일 공연, 9012Live Tour.

- 라인업은 Anderson-Squire-Rabin-Kaye-White.

*Long Distance Runaround. 04년 스위스 공연, Lugano Festival.

- 라인업은 Anderson-Squire-Howe-Wakeman-White.

*Close to the Edge. 75년 영국 공연, Relayer Tour.

- 라인업은 Anderson-Squire-Howe-White-Moraz.

*Heart of the Sunrise. 89년 ABWH로서 공연.

- 베이스에 투어 세션 Jeff Berlin.

전성기 시절 천사처럼 하늘에서 강림한 듯한, 천상의 목소리를

자랑하신 존 앤더슨. 보컬리스트로서 프로그레시브라는 서브

장르에서 길고 굵게 한 획을 당당히 그은 그 발자취는 대단히

존경스러운 것이며, 영미 시장 합계 총 1천 5백만 장에 달하는

판매고의 예스 디스코그래피 전체에서 이를 관통하는 신비주의적

정서의 가사 철학은 분명히 그의 공이 아닐 수 없다.

하지만 완벽한 사람은 없다고, 솔로 아티스트로서 또는 하나의

자립한 음악가로서의 존재감이 그다지 크진 않다. 이 분의 솔로

앨범을 들어보면 창법이 작곡을 삼켜 버린다고나 할까, 독창적

음역과 보이스의 질감이 오히려 운신의 폭을 좁혀 어떤 음악을

들어도 존 앤더슨임이 드러나지만 반대로 보컬리스트로서

다채로운 변화의 폭을 표현하는 데에는 큰 한계가 있다.

본인의 공식 웹사이트에도 올려 놓았지만 하도 음역이 높아서

팔세토 창법을 구사하는 남성 카운터테너란 오해를 많이 받으신

모양인데, 아니라고 명명백백히 밝히셨다. 남성의 테너와 여성의

알토 사이엔 세부적으로 여러 유형이 존재하는데 굳이 분류하면

본인은 알토 테너 - 콘트라알토나 카운터테너보다 낮고 보통

테너보다 높은 - 에 해당한다고... 참고하시길.

*Roundabout. 17년 헌액식 공연 중. 베이스 Geddy Lee.

- 자기 관리에 철저하여 노년에도 기량이 딸리지 않는 점만은 존경스럽다.

*Owner of a Lonely Heart. 17년 영국 공연.

- Yes feat. Jon Anderson, Trevor Rabin, Rick Wakeman이란

  액트로 2010년 이후 최근 노년까지도 활발하게 투어를 열고 사신다.

- Wakeman과 Rabin이 원곡에 없는 솔로잉을 어떻게 더 연장했는가..

  4' 25"쯤 이후. 이런 점이 노장들 라이브의 묘미이다.

 (Polonaise, single?)

개인적으로 가장 좋아하는 존 앤더슨의 곡은 의외의 작품인데

한국의 중장년층에겐 흘러간 팝송일 테고 전세계 팬덤에서는

많이 알려져 있지 않은 존 앤 반젤리스의 숨은 명곡으로 꼽힌다.

바로 83년 Private Collection 앨범의 네번째 트랙 Polonaise.

곡명이 폴로네이즈인 이유는 첫째, 반젤리스가 시작하고 2분 40초

지나서 프리데릭 쇼팽이 쓴 A플랫 장조 작품 53번 피아노 독주곡의

유명한 악절을 차용했기 때문이며, 둘째, 앤더슨이 가사의 배경으로서

- 1981~83년에 걸친 공산당 독재 정권의 계엄령 공세에 맞서 자유를

쟁취하기 위한 항거와 투쟁을 벌였던 - 평범한 폴란드 국민들의

이야기를 끌어와 그 정신을 기렸기 때문이다.

음악 이야기 포스팅하면서 웬만하면 가사 해석 안 하려고 하는데

이 곡의 가사는 역사 배경도 있거니와 작사 능력 출중한 앤더슨의

작품 중에서도 특히 아름답다는 생각이 들어 예외적으로 공개한다.

노랫말과 뒷이야기에 한층 더 집중하면서 슬프고도 아름다운 옛

음악을 즐기길 바라 마지 않고, 80년 광주 및 83년 바르샤바의

못내 이룬 '연대'의 회한을 반추하며... 금번 포스팅을 마치련다.

https://genius.com/Jon-and-vangelis-polonaise-lyrics

('Polonaise' by Jon and Vangelis, 1983)

"공감을 눌러 주시면 큰 힘을 얻습니다"

필 콜린스와 이어 붙여서 이분 포스팅 안 하면 뭔가 허전하게

생각할 사람들 있을 거다. 그런데 일부 매니아들에 알려진 지적

명성에 비교해 한국 시장에서 그의 인지도는 낮아도 너무 낮다.

게다가 지극히 제한적인 경로로 얻을 수 있는 그에 대한 한글

정보는 매우 부정확하기까지 하다. 가끔 열받을 정도로.

이에 반해 유럽 중심 사회에서 20세기 후반을 통틀어 형성한

그의 사회적 이미지는 사뭇 진지하고 웅대하다. 20세기 대중

음악계에서 가장 지성적이고 정치적으로 진보적인 인물로 보통

꼽히기 때문이다. 또한 그가 거둔 음악 산업에서의 객관적

성과와 업적도 결코 만만히 볼 만한 수준이 아니다.

하여 이제 약간은 한물 간 진보 대중 음악가를 다시 정확하게

해설하여 제대로 알고 넘어가자는 뜻으로, 작정하고 진중하게

접근해보려 한다. 제네시스에서 파생한 최고의 월드뮤직

아티스트, 피터 가브리엘 Peter Gabriel에게로 말이다.

('The Musical Box' from Nursery Cryme, 1971)

https://www.youtube.com/watch?v=9LlbYixG1GU

*73년 영국 라이브 중 - 앞에 1분간 가사의 목 댕강 스토리를 설명한다.

('The Fountain of Salmacis' from Nursery Cryme, 1971)

https://www.youtube.com/watch?v=In2fRySroH8

('Watcher of the Skies' from Foxtrot, 1972)

(Foxtrot)

눈물겨웠던 전작들 활동을 마치고 진정한 성공작을 만들기

위해 모든 멤버가 절치부심했다. 4집 준비를 위해 모이기

직전 어느 페스티벌에 참가했을 때 가브리엘이 느닷없이

메이크업 및 코스튬과 함께 등장했고 영국 언론의 비상한

관심을 얻었기에 그는 회심의 미소를 지었다.

72년 Foxtrot는 밴드 결성 후 최초로 영국 앨범 차트에

진입하는 성공을 거둔 작품. 80~90년대 제네시스 역사를

아는 사람들이야 그게 뭐 대수냐 하겠지만, 눈물젖은 빵을

먹어본 그들에겐 의미있는 성과였다. 해킷이 열심히 꼬신

덕인지 첫 트랙 Watcher of the Skies의 인트로부터

뱅크스가 장엄하게 Mellotron Mk II를 쳐댔다.

다들 아시겠지만 앨범의 백미는 퀸텟 시절을 대표하는 프로그

장르의 걸작이며 22분이 넘는 대곡인 Supper's Ready. 와~

이 시절 다섯 멤버가 얼마나 치열한 예술적 감성으로 충만한

상태였는지, 오로지 한 곡으로 입증된다. 가브리엘의 가사가

으레 그렇듯이 난해한 내용이지만 꿈과 현실이 섞여 약간

기독교적인 일화와 연관이 있다고.. 가브리엘 아내가 겪은

영적 체험 관련설이란 떡밥도 존재.. 해석은 각자의 몫.

(Mellotron Mk II)

https://equipboard.com/pros/tony-banks/mellotron-mkii

('Supper's Ready from Foxtrot, 1972)

*팬덤에서 애니메이션으로 구성한 버젼.

Supper's Ready 소곡 구성 (스튜디오 버젼 기준):

i.    Lover's Leap [0:00~3:47]

ii.   The Guaranteed Eternal Sanctuary Man [3:48~5:43]

iii.  Ikhnaton and Itsacon and Their Band of Merry Men [5:44~9:42]

iv.  How Dare I Be So Beautiful? [9:43~11:04]

v.   Willow Farm [11:05~15:36]

vi.  Apocalypse in 9/8 [15:37~20:50]

    (Co-Starring the Delicious Talents of Gabble Ratchet)

vii. As Sure As Eggs Is Eggs [20:51~22:54]

    (Aching Men's Feet)

*studio album version

https://www.youtube.com/watch?v=szJq1lwnkNw&t=

*가장 유명한 74년 파리 방송 라이브 버젼.

무대를 주름잡는 가브리엘의 똘끼 충만 시절을 느끼려면

화질 안 좋은 예전 라이브 영상을 꼭 보시길. 7개 소곡으로

나뉘는 이 대작의 절정부라면 역시 5부 Willow Farm 및

6부 Apocalypse in 9/8. 커다란 꽃 가면을 쓴 그의 스틸

사진을 많이 구경했을 텐데 - 맨 위 사진 - 바로 5부에 나오는

코스튬이다. 6부의 '9/8'은 8분의 9박자라는 뜻. 이런 파트를

들어보면 각 파트 멤버들의 연주 기본기가 얼마나 충실한지

깨달을 게다. 5부는 싱글로도 발매된 바 있다.

이밖에 Get 'Em Out by Friday는 곡 안에 서로 다른 세

캐릭터끼리 서사를 주고 받는 진정한 씨애트리컬 락으로서

가브리엘의 문학적 똘끼가 빛나는 곡. 해킷의 영향이 짙은

트랙으로 JS바하 무반주 첼로 조곡을 본뜬 Horizons와

Can-Utility and the Coastliners를 꼽을 수 있다.

프로그레시브 락의 정수를 원하는 사람이라면 필청의 음반일

것이다. 이 앨범으로 제네시스 다섯 사람은 1970년대 락밴드

시대의 중심 세력 중 하나로 급부상하게 되고 음악사에 길이

남을 이정표를 세운 셈. 장르가 너무 복잡해 귀찮다 싶어도

이 앨범만 들어보면 충분히 감이 올 듯...

('Get 'Em Out by Friday' from Genesis Live, 1973)

('Can-Utility and the Coastliners' from Foxtrot, 1972)

('Horizons' from Foxtrot, 1972)

https://www.youtube.com/watch?v=oHmjbwfYf-k

그 외에 프로그 장르의 발전사에 관해 굳이 더 큰 호기심이

동한다면 아래의 앨범들에 추천을 때린다. 시간 순서대로..

"In the Court of the Crimson King", 1969

('21st Century Schizoid Man' by King Crimson)

https://www.youtube.com/watch?v=MM_G0IRLEx4

- an excerpt from legendary Hyde Park Live

"Fragile", 1971

('Roundabout' by Yes)

https://www.youtube.com/watch?v=GWIEZQ63NhI

- a tour live in 1991

"The Dark Side of the Moon", 1973

('Money' by Pink Floyd)

https://www.youtube.com/watch?v=Kjgwjh4H7wg

- a concert live in London 2005

"Tubular Bells", 1973

('Tubular Bells' by Mike Oldfield)

https://www.youtube.com/watch?v=_86Gm9iclAg

- an excerpt from legendary Montreux Live in 1981

"Brain Salad Surgery", 1973

('Karn Evil 9' by Emerson Lake & Palmer)

https://www.youtube.com/watch?v=BugmeXR7_V8

- 1st Impression, Part 1 - studio album version

"2112", 1976

('2112' by Rush)

https://www.youtube.com/watch?v=RtdKhwhAcd4

- 2112 Overture / The Temples of Syrinx - studio single version

('Dancing with the Moonlit Knight' from Selling England by the Pound, 1973)

(Selling England by the Pound)

Foxtrot가 영국 시장에서 처음으로 스타덤을 안겨준 첫

성공작이라 한다면 73년의 5집은 자신감을 장착한 다섯

멤버의 야심찬 프로젝트였다. 영국 앨범 차트 3위까지 오르고

미국 차트에 처음으로 진입하여 전작의 성공을 확대 재생산한

명반 Selling England by the Pound가 바로 그것.

전작의 창작 코드가 훨씬 더 정제되면서도 뭔가 한층 더

대중적인 어프로치를 통해 팬덤을 확대하는데 성공했다는

느낌을 주었다. 해킷 본인이 가장 마음에 들어한 앨범이기도

하거니와, 명곡 반열에 오른 첫 트랙 Dancing with the

Moonlit Knight에서 그는 태핑과 스윕 피킹 주법을 통해

잉베이 말름스틴 같은 후배들에게 충격적 영향을 끼친다.

I Know What I Like는 유일하게 싱글로 커트되어 이들의

영국 내 첫 탑30 히트를 기록한다. 유명한 뱅크스의 피아노

인트로로 시작하는 Firth of Fifth에서 해킷은 커리어 전체를

대표한다는 빼어난 솔로잉을 들려줘 곡 전체가 탁월한 음률의

향연으로 가득하다. 이에 반해 The Cinema Show에서 ARP

Pro Soloist로 연주한 솔로 파트는 뱅크스 커리어 전체에서

가장 빼어나다고 극찬을 받는 프레이징.

데뷔 시절부터 기반한 브리티쉬 포크의 색깔을 지우고 미국

음악의 우산으로 옮겨간다는 뜻이 제목에 내포되어 있듯이,

영국식 껍데기를 벗고 진화한 제네시스의 변화가 산뜻하다는

팬덤의 찬사가 터져나왔다. 영국과 미국에서 골드를 기록했고

앨범의 전 트랙이 제네시스 라이브의 단골 연주곡으로 정착..

아울러 배트윙, 여우머리, 마곡으로 발전해온 가브리엘의

코스튬 세계는 Dancing with the Moonlit Knight에서

로마시대 투구를 쓴 브리태니아 기사로, I Know What I

Like에서 소방수 헬멧을 장착한 잔디깎이로 변화해갔다.

(ARP Pro Soloist)

(70년대 초반 뱅크스 장비 도해)

('I Know What I Like' from Selling England by the Pound, 1973)

('The Cinema Show' from Selling England by the Pound, 1973)

*후반부 1분 30초는 앨범 마지막 트랙인 'Aisle of Plenty'.

- 컨셉트 앨범의 대미이므로 두 곡을 접속해서 듣는 것이 옳다.

**ARP Pro Soloist로 연주한 시그니처 솔로는 7분경부터 등장.

('Carpet Crawlers' from The Lamb Lies Down on Broadway, 1974)

('The Lamb Lies Down on Broadway' from eponymous album, 1974)

*Phil Collins joins Peter Gabriel's concert in 1979.

https://www.youtube.com/watch?v=-1dJbdSTmDs

필경 이 무렵부터 가브리엘이 솔로 활동에 관해 깊이 고민하지

않았을까 추정한다. 세간에 호사가들 말처럼 콜린스를 포함한

다른 멤버들이 쫓아낸 것은 결코 아니다. 단독으로 활동할 수

있을 만큼 음악 산업에서 자신의 가치를 정확하게 가늠하고 있던

가브리엘의 전략적 판단이 가장 큰 결정 요인이라고 추측한다.

이 시기까지 가브리엘과 제네시스의 관계는 일곱 살 앞서는 선배

짐 모리슨과 도어즈의 관계와 유사했다. 밴드의 브랜드 가치보다

프론트맨의 대중적 이미지가 너무 강해서 다른 멤버들을 가리고

있었다. 그러나 밴드 안에서 사이가 나쁜 건 아니었다. 상당한

역량을 가진 멤버들끼리 적당한 긴장감은 늘상 있었다.

6집을 녹음할 때는 이상하게 그 긴장이 서로 극에 달한 상황이

되었다. 앨범의 스토리텔링을 위해 영화감독과도 교류하는 등

안팎의 사정으로 늘 바쁘고 어수선한데다 가브리엘이 이제 막

결혼해 첫 아이를 출산할 때가 다가왔는데 이를 이해하지 못한

뱅크스나 러더포드 등과 신경전을 벌이곤 했다.

신작 앨범은 그런 난장판 속에 탄생했다. 가브리엘이 작사만

맡을 뿐 모든 작곡은 네 명 멤버들이 전담했는데, 정작 팬덤이

가브리엘-제네시스 시대의 최고 명작이라고 열광하는 상황..

- 뭐, 이런 아이러니가... 74년 11월 앨범 발매를 기점으로

투어를 개시하기 전, 그는 밴드 전체에 탈퇴 의사를 알렸으며

공식 발표는 투어 마치고 이루어졌다.

('In the Cage' from The Lamb Lies Down on Broadway, 1974)

*Brian Eno가 보컬에 Enossification 효과를 입혀주었다.

(The Lamb Lies Down on Broadway)

('Back in N.Y.C.' from The Lamb Lies Down on Broadway, 1974)

The Lamb Lies Down on Broadway. 가브리엘 시대

제네시스의 마지막 걸작인 더블 앨범이다. 현대인의 결핍된

심리와 병리적 환상을 결합하여 자신만의 온전한 세계관을

구축해온 가브리엘의 창의성이 극에 달해 만들었다고 하는

바로 그 전설의 명반이다.

본작에서 토니 뱅크스는 발군하다. 스티브 해킷도 이에 못지

않다. 두 사람 사이에서 묘한 경쟁과 반목을 관찰했다는 말도

몇몇 기록을 통해 확인할 수 있다. 리듬 섹션의 두 사람도 실로

창의적이다. 연주를 맡은 네 멤버의 조화는 더없이 아름답다.

개인적으로 꼽는 최고의 키보디스트는 뱅크스인데, 순전히

이 앨범만 듣고 평가를 내려도 충분하다고 믿을 정도이다.

여러 모로 제네시스와 밀접한 관계였던 브라이언 이노 역시

Enossification이란 사운드 이펙트를 접목시켜 주었다.

곡이 너무 많아서 어디서부터 접근할지 막연한 분이 많을 터.

보통 팬덤에서는 The Lamb Lies Down on Broadway와

함께 In the Cage, Back in N.Y.C., Carpet Crawlers,

Fly on a Windshield, The Lamia 등등으로 서서히 애호의

범위를 넓히는 쪽을 추천한다. 카페트 크롤러와 Counting Out

Time은 싱글로도 커트되었으니 참고하면 된다.

잘 알려져 있듯이 가브리엘 자신이 꿈으로 본 기묘한 이야기를

푸에르토리코 소년 라엘이란 캐릭터가 뉴욕에서 겪는 초현실에

빗대어 플롯을 구성했다. 즉 남의 꿈 얘기를 들여다보는 셈. 사실

그의 가사가 대부분 해석이 안 되는 원인인즉슨 해몽이 안 되기

때문이다. 대략 그러려니 하고 물 흐르듯이 느끼고 즐기는 쪽이

제일인 법. 남의 꿈을 못 읽어냈다 해서 큰일나는 거 아니쟎나.

요샌 애니메이션으로 그려낸 영상도 있으니 도움이 될 것이다.

('Counting Out Time' from The Lamb Lies Down on Broadway, 1974)

('Fly on a Windshield' from The Lamb Lies Down on Broadway, 1974)

https://www.youtube.com/watch?v=k9X2QtzCvBQ

('The Lamia' from The Lamb Lies Down on Broadway, 1974)

https://www.youtube.com/watch?v=g09mTchpOPU

사실 찬찬히 들어보면 의외로 음률이 대중적이다. 난해하다고

잔뜩 어려운 말로 속물처럼 갈긴 평만 읽고 실제로 음악을 듣는

데 주저하진 말라. 이미 수십 년 지난 음악이며 그 사이 수많은

팬이 즐기며 자신만의 문화를 구축해왔다. 이 음악을 만든 이는

좀 사는 나라의 제법 사는 집 출신으로 약간의 음악적 훈련에

온갖 상상력을 섞는데 성공한 스물 몇 살 청년들에 불과하다.

너무 난해해서 정신과 의사급만 알아 듣는다는 해석글이

여러 사이트에 돌아 다니던데 그런 거 없고, 그냥 들을 수

있는 만큼만 듣고 즐기면 그뿐이다. - 이런 뻘소리는 본

블로거 어렸을 때도 있던, 팬덤이 지은 2차 창작 같은 건데

아직도 돌아다니다니.. 제발 이상한 뻘글 좀 퍼담거나

싸질러 놓지 말라고들. 인터넷 공해다. 무릇 음악이란,

듣고 즐길 수 있으면 그뿐이다. 경전이 아니지 않은가.

이 세상에 난해한 음악이 얼마나 많은데 수십 년 전 대중 가요

정도가 뭐 얼마나 어려울까. 본작이 일본과 한국 바보들에게

어렵게 다가오는 건 단 한 가지, 영어로 쓴 가사를 해석하기가

힘들기 때문이다. 단순히 번역의 문제가 아니라 영시문학을

어느 정도 즐기는 훈련이 필요한 것은 사실이다. 그러니까,

영어가 안 되요 하는 소린 할 수 있을지언정 - 현재 영미권을

사는 사람들도 어려워하니 쪽팔린 일도 아니니까 - 음악이

난해하다는 한 마디로 퉁치고 제껴놓지 말자고들.

선입견을 제거하고 들어보면 멋진 앨범이다. 어떻게 40년 전

컴퓨터도 인터넷도 없던 시절에 이런 악상을 떠올렸을까 싶은,

젊디 젊은 재능으로 충만한 멜로디와 패턴이 군데군데 숨어

있으니 귀한 보물을 잘 찾아 보시길. 마지막 불꽃을 활활

태운 후 75년 8월, 제네시스는 피터 가브리엘의 탈퇴를

공식 발표한다. 팬덤은 난리가 났고.

*가브리엘-제네시스 시대 9대 코스튬에 관하여

- 탈퇴하면서 이제 그만의 독창적 무대의상 시대는 끝난 거다.

https://www.musicalbrick.com/top-9-peter-gabriel-costumes-1972-1975/

*animated illustration created by fan artists (side 1)

- Enossification은 20'14"부터 나오는 트랙에서 더 두드러진다.

 ('The Grand Parade of Lifeless Packaging')

*animated illustration created by fan artists (side 2)

보컬의 소임을 맡는다. 그는 의외로 잘 해낸다. 그도 그럴 것이

역사가 스포일러이지만 80~90년대를 주름잡은 가수 아닌가.

네 사람 체제에서는 76년에 A Trick of the Tail 및 Wind

& Wuthering 두 장의 앨범을 냈는데, 사실 두 작품이 퀸텟

시절 제네시스의 잔상을 지우기가 쉽지는 않아서, 여전히

프로그레시브 팝락의 어딘가 복잡미묘한 위치에서 조금씩

새로운 음악의 시대를 향해 변화를 품고 있었다. - 근데 판매

실적은 퀸텟 시대보다 더 좋아졌다는 것이 함정..ㅜ 제네시스

판매고 1억 장은 사실 대개 가브리엘 나간 후에 거둔 거라능.

이 중엔 A Trick of the Tail, Dance on a Volcano, Squonk

같은 트랙들이 프로그레시브 성향을 견지하는 팬덤에서 꾸준히

지지를 받고 있어 들어볼 만하다. Los Endos는 아기자기한 잔

리듬에 강한 콜린스식 드러밍이 폭발하는 또 다른 인기 트랙.

뱅크스가 작곡한 Afterglow는 신비로운 질감의 백킹이 어여쁜

발라드. 시종일관 울려퍼지는 Moog Taurus의 이펙트가 매우

예쁜 소리를 빚어내 팬덤의 지지가 높다.

이외에도 Eleventh Earl of Mar, Entangled, Your Own

Special Way, Mad Man Moon, One for the Vine 등

곡이 팬덤과 평단의 꾸준한 지지를 받았다. 두 장의 앨범을

내고 해킷이 탈퇴하여 솔로 아티스트로서 활동을 이어간다.

사실 그는 원래 솔로였다가 제네시스에 영입된 것이니 본디

독립 의지가 강한 입장이었다. 자존감도 강한 분이시고.

('Dance on a Volcano' by Genesis, 1976)

https://www.youtube.com/watch?v=2JGK6Q8rbRU

('A Trick of the Tail' by Genesis, 1976)

https://www.youtube.com/watch?v=ZXqSEw3H_PI

('Eleventh Earl of Mar' by Genesis, 1976)

https://www.youtube.com/watch?v=vmp6mUlguyQ

('When the Heart Rules the Mind' by GTR, 1986)

('Toe the Line' by GTR, 1986)

https://www.youtube.com/watch?v=uUtZkaMAPLw

제네시스의 라이브 앨범은 크게 네 시기로 나누어 접근하면 된다.

가브리엘 시대 라이브는 유일하게 73년 앨범 Genesis Live에서

들을 수 있고, 쿼텟 시대 라이브는 77년 Seconds Out을 통해

접할 수 있다. 82년 Three Sides Live와 92/93년 The Way

We Walk Vol.I&II는 트리오 시대 라이브이다.

제네시스 재적 중인 75년에 솔로 앨범 Voyage of the Acolyte을

낸 전적이 있는 스티브 해킷은 탈퇴 후엔 철저하게 프로그 장르를

추구하는 예술적 대중 음악을 다룬다. 예스 출신 기타리스트로서

해당 장르에서 쌍벽을 이루는 스티브 하우와 슈퍼그룹 GTR을

결성하여 86년에 셀프 타이틀 앨범을 내기도 했다. 딱히 프로그

성향 앨범은 아니지만 매니아들로부터 각광받은 작품이다. 싱글

히트곡으로 When the Heart Rules the Mind를 배출했다.

트리오 제네시스 멤버들은 되레 과거 프로그 시대 히트 튠에서